Das Beste aus Handwerk und Digital trifft bei den diesjährigen PRINT Awards aufeinander

Großartiges Design sieht einfach aus, aber wir wissen, dass es mühsame Arbeit ist. Ganz gleich, ob Ihr Medium gedruckt oder digital, Illustration oder Fotografie ist, es braucht Konzentration, Talent und ein wenig Magie, um einen unvergesslichen visuellen Eindruck zu erzielen.

Die PRINT Awards 2023 würdigten herausragendes Design in jeder Form und Form, von der zarten Textur und der exquisiten Form des Drucks bis hin zu digitalem Design, das technisches Können mit präziser Handwerkskunst verbindet.

Unsere herausragenden Juroren arbeiteten dieses Jahr in einem weiten Feld von 24 Kategorien, darunter Werbung, Buchumschläge, Konzeptarbeit, Illustration und Umweltdesign, sowie zwei neue Kategorien, Design for Social Impact und In-House Design. Sie bewerteten die Beiträge anhand von vier Schlüsselkriterien:

Nach sorgfältiger Durchsicht der diesjährigen Einsendungen erstellte unser Gremium eine endgültige Liste der Gewinner in jeder Kategorie sowie „Best of Show“, „Agentur des Jahres“ und „Editors' Choice“. Wir hoffen, dass Sie von diesen tollen Designs und Designern genauso beeindruckt und inspiriert sind wie wir alle hier bei PRINT!

DLR-Gruppe

North Kansas City Early Education Center

USA

Der Gewinner unseres „Best in Show“ stellt das Projekt dar, das unter allen einzelnen Wettbewerbsbeiträgen den höchsten Platz einnimmt. Dies ist das erste Mal in der Geschichte der PRINT Awards, dass ein Umweltdesignprojekt den Preis „Best in Show“ gewonnen hat – und mit einer perfekten Bewertung durch die Jury geht die Ehre an die DLR Group für ihr North Kansas City Early Education Center.

Wie die DLR-Gruppe erklärt, „reagiert das Projekt auf eine einzigartige Gruppe von Frühlernern. Sowohl die Notwendigkeit, das frühkindliche Sonderpädagogikprogramm des Distrikts an einem Ort zu konsolidieren, als auch das zunehmende frühkindliche Angebot im Allgemeinen führten dazu, dass der Distrikt eine adaptive Wiederverwendung eines bestehenden Hobby Lobby & Price Chopper anstrebte. Da das Gebäude so groß ist, ist es in sieben verschiedene Lerngemeinschaften unterteilt, die sich mit biophilen Themen in der Natur befassen, von Bienenwaben bis hin zu Schmetterlingen. Jede Gemeinschaft soll den Lernenden eine kleinere Kohorte bieten, mit der sie interagieren und sich engagieren können, und gleichzeitig Zugang zu den vielen Annehmlichkeiten der Einrichtung haben, darunter Mehrzweckräume mit Sinneserlebnissen, erweiterte Spielmöglichkeiten im Freien, ausziehbare Räume für Deeskalation und Tests usw weitläufige Entdeckungszonen für zusätzliches Indoor-Spielen.

„Innenausstattung und Planung wurden sorgfältig geprüft, um sicherzustellen, dass allen Lernenden, sowohl Schülern mit besonderen Bedürfnissen als auch anderen, gleichberechtigte Lernerfahrungen geboten werden. Im Rahmen eines vollständig integrierten Designprozesses erstellte die DLR-Gruppe außerdem ein Bilderbuch, das auf den Umweltgrafiken des Projekts basierte. Das Buch wurde als Hardcover gedruckt und mit Lehrern und Eltern geteilt, damit sie ihren Kindern die Geschichte vor dem ersten Schultag vorlesen konnten, sodass die Kinder am ersten Tag von ihren Freunden aus dem Bilderbuch willkommen geheißen werden, um Ängste zu lindern.“

Letztendlich haben DJR und sein Team, das an diesem Projekt gearbeitet hat – Chris Cox, Adam Wells, Ian Kilpatrick und Stacy Davis – ein bewegendes Projekt geschaffen, das Auswirkungen auf die reale Welt hat. Für uns stellt es die wahre Kraft des Designs dar, nicht nur Probleme zu lösen, sondern eine bessere Zukunft für uns alle zu schaffen.

Basisdesign

USA

In der Kategorie „Agentur des Jahres“ wird die am höchsten bewertete Agentur, das Studio oder die Inhouse-Marke im gesamten Wettbewerb ausgezeichnet, ermittelt durch die größte Anzahl an Gesamtsiegen in allen Kategorien. Mit Siegen auf dem ersten Platz in der Kategorie „Branding und Outdoor“ für das Museum of Fine Arts Boston und in der Kategorie „Interaktion“ für die Meatpacking District-App ist Base Design die Agentur des Jahres 2023.

Base Design ist ein internationales Netzwerk kreativer Studios, die sich auf Branding und Kommunikation spezialisiert haben. Ihre Herangehensweise an ihr Handwerk beschreiben sie so:

„Ihre Marke ist Teil einer sich entwickelnden, komplexen Kultur. Welche Rolle es spielt, hängt von einem ab: Einfluss. Dieser Einfluss ist hart erkämpft. Es wird dafür gekämpft. Aus diesem Grund fordern wir Führungskräfte heraus, herauszufinden, wofür ihre Marken stehen und warum das wichtig ist. Diese Erzählung ist die Lebenskraft einer Marke. Eines, das heute Einfluss gewinnt und sich weiterentwickelt, wenn die Menschen es sich zu eigen machen.“

Die Gewinnerprojekte von Base Design bei den diesjährigen PRINT Awards spiegeln diesen Ansatz wider, und wir fühlen uns geehrt, das Studio und das an diesen Projekten beteiligte Team auszuzeichnen – Min Lew, Jeffrey Waldman, Inva Cota, Bryan Chu, Shirlin Kao, Yaniv Fridman , Mirek Nisenbaum, Tom Fethers und Ji Park – als Agentur des Jahres.

Ferrofluid

Rozi Zhu

USA

Dies ist das Projekt, das unserem internen Team von allen Einsendungen im Wettbewerb besonders gut gefallen hat. In diesem Jahr geht der Preis an Ferrofluid Type von Rozi Zhu. Zhu erklärt: „​​Ferrofluid ist eine Flüssigkeit, die in Gegenwart eines Magnetfelds stark magnetisiert wird. Der Ferrofluid-Typ wird über eine Anzeigeschnittstelle entworfen und präsentiert, die aus Arduino-Boards, einer 5×5-Elektromagnetmatrix, Relais, einem Netzteil und einem Glasbehälter mit Ferrofluid besteht; Alle Buchstaben und Bewegungen werden durch diese Installation mithilfe von Code und physikalischer Berechnung gesteuert.“

Abgesehen davon, dass er unglaublich aussieht und das faszinierende Konzept dahinter steckt, haben wir uns letztendlich für diesen Beitrag entschieden, weil er das Thema, Design in all seinen Formen zu zelebrieren, wirklich verkörpert.

Erster Platz

Alle stimmen gegen „Nein spielen“.

Kreatives

Deutschland

All Vote No Play begann als Aufruf zum Handeln. Im Juni 2020 twitterte Eric Reveno, ehemaliger Basketball-Cheftrainer der Georgia Tech Men’s, dass der Wahltag ein spielfreier Tag und ein aktiver Tag zum Wählen sein sollte. Der Tweet verbreitete sich schnell viral und inspirierte über 1.100 Trainer, dasselbe zu versprechen.

Die Ergebnisse der Aktivismus- und Rassenumfrage der National Collegiate Athletic Association (NCAA) zeigen, dass 75 % der studentischen Sportler nach Möglichkeiten für bürgerschaftliches Engagement suchen, aber die Ressourcen und die Unterstützung hierfür mussten verbessert werden. Deshalb arbeitete die Initiative mit der NCAA und studentischen Sportlerführern in den gesamten USA zusammen, um einstimmig ein Gesetz zu verabschieden, das den Wahltag zu einem alljährlich gewidmeten Tag für bürgerschaftliches Engagement macht. Seitdem hat sich die Kampagne zum führenden Anbieter überparteilicher Bürgerprogramme, Materialien und Unterstützung für studentische Sportler, Trainer und Sportabteilungen entwickelt.

An über 2.000 Standorten im ganzen Land gibt es mehr als 500.000 studentische Sportler und fast 100.000 Trainer und Administratoren. Damit seine Botschaft die Hochschulsportler und deren Trainer erreicht, benötigte der Kunde eine ansprechende, völlig unparteiische Markenidentität, die seine Geschichte hervorhebt und sich von anderen politischen Initiativen abhebt.

Die visuelle Identität lässt sich von College-Leichtathletik, historischen Protestplakaten und der Online-GIF-Kultur inspirieren und schafft ein politisch engagiertes, eindringliches Branding, das beim Publikum im College-Alter sofort Anklang findet.

Ähnlich wie die überparteiliche Natur der Bewegung tendiert auch die Schriftart selbst nicht in die eine oder andere Richtung: Wir haben die Verwendung von Kursivschrift vermieden, sodass es keine Links-/Rechtsneigung gibt. Stattdessen variiert die Schrift in Gewicht und Größe, um Bewegung zu vermitteln – und dieser bürgerschaftliche Wandel geschieht nicht ohne Handeln.

Dieses Konzept erstreckt sich auch auf das dynamische Logo: Die Wörter „vote“ und „play“ bewegen sich ständig in Größe und Raum hin und her und untermauern die Idee, dass Sport und bürgerschaftliches Engagement einen gemeinsamen Raum brauchen, um zu wachsen. Seine Dynamik ermöglicht auch verschiedene Anwendungen in sozialen Medien, auf Websites, in gedruckten Materialien und bei Live-Webinar-Veranstaltungen.

Die Farbpalette entwickelte sich vom klassischen Rot und Blau der amerikanischen politischen Parteien zu dem, was wir „Blurple“ und „Reddish“ nannten. Dies schafft eine neutrale Grundlage, während die Farben kräftig und aufregend genug bleiben, um eine Vielzahl digitaler Touchpoints und Online-Anwendungen zu beeindrucken.

Mit neuem Look, verstärkter Stimme und einem wichtigen Ziel vor uns veranstaltete All Vote No Play im Herbst 2022 eine virtuelle Veranstaltung mit Stephan Curry, Dr. Condoleezza Rice und Coach Tara VanDerveer. Über 2000 Teilnehmer aus 17 Bundesstaaten und 26 Teams nahmen daran teil, was es zu einem der bedeutendsten Bürger-Tailgating-Events der Geschichte machte. Das Konzept, den Einfluss studentischer Sportler mit bürgerschaftlichem Engagement zu verbinden, stand im Mittelpunkt des Erlebnisses, wobei das neue Branding diese Botschaft unterstützte. Die Kampagne baut weiterhin eine Grundlage engagierter, informierter studentischer Sportler für den Wahlzyklus 2024 auf und stellt sich eine Zukunft vor, in der alle Trainer und Sportabteilungen dem bürgerschaftlichen Engagement Priorität einräumen.

Zweiter Platz

Beanspruchen Sie jede Stimme

Meaghan Dee

USA

Als Meaghan Dee eines Tages das Wordle machte, begann sie über all die kleinen, albernen Dinge nachzudenken, mit denen wir viele Tage unsere Zeit verbringen. Sie dachte, wenn jemand jeden Tag Zeit hat, ein Spiel auf seinem Handy zu spielen, sollte er sich die Zeit nehmen können, abzustimmen.

Zwar hat nicht jeder einfachen Zugang zur Stimmabgabe, aber diejenigen, die Zugang dazu haben, haben keine Entschuldigung dafür, ihrer Stimme kein Gehör zu verschaffen.

Sie dachte auch darüber nach, dass Wählen eine Möglichkeit ist, die eigene Stimme zu nutzen, und dass nicht alle Stimmen gehört werden, wenn nicht alle abstimmen. Unser Ziel sollte es sein, jede Stimme einzufordern, die wir können.

Dritter Platz

Big Liars im Juli

Christopher Hope

USA

Die große Lüge, dass die Wahlen 2020 manipuliert wurden, ist eine Bedrohung für die Demokratie. Christopher startete „Big Liars in July“ als Zeichenherausforderung auf Instagram, weil er glaubte, dass Künstler eine Rolle dabei spielen könnten, die öffentliche Meinung über extremistische, antidemokratische Politiker zu formen, die sich um ein Amt bewerben. Die Arbeit forderte die Künstler dazu auf, Schwarz-Weiß-Designs zu entwerfen, die sie kostenlos an jeden verschenkten, der politische Gartenschilder drucken oder Aufkleber anfertigen wollte. Jeden Tag im Juli war ein anderer Politiker Gegenstand unserer Zeichnungen. „Big Liar in July“-Zeichnungen wurden erstellt, auf Instagram hochgeladen und mit dem Hashtag #BigLiarsinJuly versehen.

Christopher glaubt, dass Parteilichkeit eine Sache ist, Wahlleugnung jedoch eine ganz andere, die sich in den USA mittlerweile in politische Gewalt verwandelt hat. Es gibt hier eine Epidemie des aufkeimenden Faschismus, also muss jeder aufstehen, seine Stimme erheben und den großen Lügnern zeigen, dass ihre Täuschung nicht funktionieren wird.

In seinem Beitrag zum #BigLiarsinJuly-Projekt nutzte Christopher Humor und einfache Botschaften, um die Wähler auf Big Lie-Kandidaten aufmerksam zu machen, die für ein Amt kandidieren. Durch die Schwarzweißbilder wurden die Produktionskosten der resultierenden Schilder und Aufkleber gesenkt und das Projekt so erschwinglich wie möglich gemacht.

Erster Platz

Poster House Block Party 2022

Zipeng Zhu + Poster House

USA

Am 6. August 2022 veranstaltete Poster House seine erste Blockparty im Flatiron Plaza. Es war ein Tag voller Aktivitäten, Führungen, Auftritte, Werbegeschenke und mehr. Der Designer Zipeng Zhu und sein Büro Dazzle Studio arbeiteten mit Poster House zusammen, um eine Reihe visueller Assets zu erstellen, die eine wilde Plakatkampagne, Social-Media-Reichweite, Beschilderungen und Bühnenbanner sowie Merchandise-Artikel wie T-Shirts und Anstecknadeln umfassten. Das Design sollte an die Gemeinschaft und alles rund um New York erinnern und mithilfe von Symbolen und leuchtenden Farben die Aufmerksamkeit auf die öffentliche Veranstaltung lenken. Die daraus resultierenden Vorteile sind eine Kombination aus Zhus individuellem Stil und dem Branding von Poster House.

Poster House ist das erste und einzige Museum in den Vereinigten Staaten, das sich der globalen Geschichte und Kunst der Plakate widmet und sich im Herzen von Chelsea in New York City befindet. posterhouse.org

Zweiter Platz

Verpackung für handgefertigtes und gehärtetes Bier

Studiomalz

USA

Crafted & Cured ist ein Bier- und Käseladen, der kürzlich seinen Standort in eine historische ehemalige Art-Déco-Bank in Troy, Ohio, verlegt hat. Die Fassade des Gebäudes ist mit Steinreliefs verziert, die die Industrie des Mittleren Westens der 20er und 30er Jahre hervorheben und eine Reihe von Charakteren für unsere Bierdosenetiketten zum Mitnehmen inspirierten. Ihre Illustrationen, Metallfolien und Banknotenmotive sind eine Anspielung auf die Innenausstattung und die Gebäudegeschichte der Bank.

Dritter Platz

Snow's BBQ Drone Show

*Spurenelement

USA

4:30 Uhr – Es ist stockdunkel an einem klaren Samstagmorgen in der kleinen Stadt Lexington, Texas. Bevölkerung: 1.231. Vor Snow's BBQ stehen Hunderte Menschen Schlange. Ein leises Murmeln der Vorfreude liegt in der Luft und der Geruch von Grubenrauch liegt in der Luft. Der Nachthimmel ist tintenschwarz, abgesehen von den großen, hellen Sternen, mit denen die Texaner immer prahlen. Jede Person in der Schlange hat eine andere Geschichte – eine Familie, die dieses Jahr in jedem der 50 besten Grilllokale in Texas essen möchte, ein Paar, das aus New York City eingeflogen ist, um diesen beliebten Ort auszuprobieren, und Einheimische, die alle auftauchen Woche genauso religiös, wie sie sonntags in die Kirche gehen. Eines haben sie jedoch alle gemeinsam: Sie hoffen, das legendäre Schweineschultersteak, die Schweinebrust, die Spareribs, das Hühnchen oder die Wurst von Pitmaster Tootsie Tomanetz probieren zu dürfen.

Einige dieser Leute stehen seit 19 Uhr am Vorabend in der Schlange. Die meisten brachten Kühlboxen und Rollstühle mit. Einige brachten Decken mit. Die Kleinen schlafen auf den Schultern ihrer Mamas. Sehen Sie, Snow's ist nur am Samstagmorgen geöffnet, daher sind diese Gäste Teil einer Pilgerreise. Und es gilt: „Wer zuerst kommt, mahlt zuerst“, also werden einige um 9 Uhr morgens mit leeren Händen nach Hause gehen. Eines war jedoch für alle in der Menge an diesem besonderen Morgen sicher: Sie erwarteten etwas Unterhaltung am Himmel, mit freundlicher Genehmigung von Coca-Cola Southwest Getränke. Gegen 6:30 Uhr, kurz vor Tagesanbruch, starteten 250 Drohnen surrend in den Himmel. Sie summten und tanzten und blinzelten in einer achtminütigen choreografierten Show, um eine äußerst freudige Botschaft zu verkünden: Coca-Cola wird jetzt bei Snow's serviert. Es ist Cola und BBQ – die perfekte Kombination.

Die Menge beobachtete das Spektakel voller Ehrfurcht und brach an verschiedenen Stellen der Show in Jubelschreie aus – sie jubelte über Tootsies Image, als sie die Botschaft überbrachte, dass Snow's BBQ Coca-Cola liebt. Die Zuschauer machten Videos und Fotos, posteten sie und teilten sie in den sozialen Medien und trugen so dazu bei, die Bekanntheit dieser neuen, köstlichen Partnerschaft zu verbreiten.

Erster Platz

Jahresbericht 2022 der University of Virginia Library

Wasserzeichen-Design

USA

Ein Großteil der Geschichten im Jahresbericht 2022 der UVA-Bibliothek dreht sich um die Themen verborgene Bedeutung, Gegenerzählungen und einen tieferen Blick in die Geschichte. Das Cover nutzt Textur und manipulierte Typografie, um zu reflektieren, wie Geschichte oft verzerrt wird, um bestimmte Erzählungen zu erzählen, und gerade jetzt neu gestaltet wird, um die Wahrheit der Vergangenheit zu enthüllen. Diese Details werden durch eine Blindprägung in den Falzfalten verstärkt, um dem Leser ein haptisches Erlebnis beim Halten und Öffnen des Buches zu vermitteln.

Diese Texturen prägen das minimalistische, aber elegante Design des Innenraums. Seine weiße und dunkelgraue Palette lässt die Vollfarbbilder jeder Geschichte hervorstechen und bildet einen Kontrast zur starken Farbverwendung der vergangenen Jahre. Die begrenzte Farbe unterstreicht auch die typografische Auswahl der Franklin Gothic als primäre Schriftart, ergänzt durch eine Mono-Schriftart für die Bildunterschriften und eine kursive Serife für Anführungszeichen. Die Vollfarbfotografie ist über ein benutzerdefiniertes Symbolsystem, das aus einfachen Formen (Kreisen, Dreiecken usw.) anstelle herkömmlicher Buchstaben oder Zahlen besteht, mit der entsprechenden Bildunterschrift verknüpft. Dies funktioniert nicht nur als Untertitelsystem, sondern auch als subtile grafische Elemente, die dabei helfen, die Monotonie großer Textmengen aufzubrechen.

Zweiter Platz

New York Public Radio – Resilienz in Aktion – Jahresbericht Geschäftsjahr 2022

Ahoi Studios

USA

New York Public Radio lud die Ahoy Studios dazu ein, ihr Erscheinungsbild aufzufrischen, um ihre Wirkung zu verstärken und ein jüngeres Publikum zu erreichen, und betonte gleichzeitig die Bedeutung und Dringlichkeit, lokale Nachrichtenagenturen angesichts der zunehmenden Fehlinformationen zu retten. Das Studio entwickelte ein neues Erscheinungsbild und verbesserte die Designsprache von NYPR auf mutige, farbenfrohe, vielfältige und sehr „optimistische New York“-Art. Als Teil dieses neu belebten Looks wurde Ahoy mit der Gestaltung des NYPR-Jahresberichts 2022 beauftragt. Als New Yorker wurden sie vom diesjährigen Thema „Resilienz in Aktion“ dazu inspiriert, den einzigartigen Charakter unserer geliebten Stadt auf viele kreative Arten zu visualisieren.

Das Design verbindet kontextbezogene Strichzeichnungen mit archetypischer New Yorker Fotografie und ikonischen Wahrzeichen, um das erstaunliche und einzigartige Programm zu präsentieren, das NYPR New Yorkern aus allen Gesellschaftsschichten bietet. Die Fotografie fängt authentische Momente in der ganzen Stadt ein, die ein Gemeinschaftsgefühl und eine Identität vermitteln, die die Bewohner durch NYPR genießen können. Die kräftigen Strichzeichnungen werden auf den Seiten geschickt eingesetzt, um Geschichten zu „verweben“ oder klare und überzeugende Symbole zu formulieren, die die Botschaft von NYPR unterstreichen.

Dritter Platz

Land O'Lakes Jahresbericht

Menschliches Design

USA

Land O'Lakes, Inc. ist eine amerikanische Genossenschaft im Besitz von Landwirten, die aus vier Geschäftsbereichen besteht: Purina Animal Nutrition (Tierfutter und Nahrungsergänzungsmittel), Winfield United (Agronomie), Land O'Lakes Dairy (Milchprodukte) und Truterra (Nachhaltigkeit). Als sich das 100-jährige Jubiläum des Unternehmens näherte, machten sie es sich zur Unternehmensmission, die Zukunft der Landwirtschaft zu sichern, indem sie „Rooted in Tomorrow“ sind und die Landwirte in den Mittelpunkt der Schaffung einer besseren Welt für alle stellen. Um sich jedoch auf sinnvolle Weise wieder vorzustellen, mussten sie zunächst die Bühne bereiten: mit einer frischen, relevanten und dynamischen kreativen Plattform – beginnend mit einem grundlegenden Dokument, das an ALLE internen Stakeholder und Wähler der Genossenschaft verteilt werden sollte .

Als neuer kreativer AOR war Human Design für die Gestaltung eines Jahresberichts 2021 verantwortlich, der modern, beeindruckend und authentisch zur Persönlichkeit und Kultur der Marke war, Stolz und Begeisterung hervorrief und alle externen Empfänger der Jahresbericht-Kits beeindruckte. Ihre Aufgabe bestand im Wesentlichen darin, diese 100 Jahre alte Genossenschaft mit über 3.100 Landwirten, Einzelhändlern und Partnern wieder unter einem Dach zusammenzuführen.

Während die öffentliche Wahrnehmung der Marke wichtig war, war es für interne Wähler noch wichtiger, die wahre Identität, den Zweck und die Beiträge der Marke vollständig zu verstehen.

Und wenn ein Unternehmen dafür verantwortlich ist, die Nation zu ernähren, eine reichliche Nahrungsmittelversorgung zu schaffen, das ländliche Amerika zu stärken und den CO2-Fußabdruck in einem sich verändernden Klima zu reduzieren, sollte jeder interne Mitarbeiter und jeder Wähler stolz auf seine Arbeit sein und Anerkennung erhalten können.

Erster Platz

Das Jeder

Volume Inc.

USA

Wenn das weltgrößte Suchmaschinen-/Social-Media-Unternehmen (The Circle) mit der dominierenden E-Commerce-Website der Welt fusioniert, entsteht das reichste und gefährlichste – und seltsamerweise beliebteste – Monopol aller Zeiten: das Every.“ Dieser Beitrag zu einer umfangreichen Multi-Cover-Serie für den neuen Roman von Dave Eggers verwendet das Mausklick-Pfeilsymbol, das jeder online verwendet, um einen Artikel oder einen Amazon-Kauf auszuwählen, um sowohl das „Every“ des Titels als auch den Protagonisten des Romans zu visualisieren, der „ ein Ziel vor Augen: das Unternehmen von innen heraus zu zerstören.“

Zweiter Platz

Gene Sharp

Selman

USA

In „Gene Sharp: How to Start a Revolution“ übersetzt der Journalist und Filmemacher Ruaridh Arrow sein dokumentarisches Porträt von Sharp in die Form einer Biografie. Es erzählt die Geschichte, wie Genes Studien, Strategien und Inspiration ein Kollektiv von Menschen und damit Generationen moderner Revolutionen stärkten. Das Design und die Typografie wurden von Ideen kollektiven Handelns und Revolution inspiriert und davon, dass ein Mann mit einem so bescheidenen und unauffälligen Profil einen so stillen Einfluss auf die Kulturen der Welt hatte. Selman-Team: John Paul Chirdon, Johnny Selman, Jordan Tran.

Dritter Platz

Rationale Einfachheit: Rudolph de Harak, Grafikdesigner

Poulin + Morris Inc.

USA

Die Designlösung für dieses Buchcover vermittelt Rudolph de Haraks Engagement für die Grundsätze des Modernismus, Idealismus und Pragmatismus. Auch wenn seine Werke oft reduzierte, vereinfachte visuelle Elemente widerspiegelten, mangelte es ihnen nie an Inspiration, Intimität und Schönheit. Dieses Cover repräsentiert visuell die Doppelnatur seiner kreativen Freiheit und Zwänge, die er im Laufe seiner Karriere verfolgte. Das abgebildete Bild ist ein Ausschnitt aus einem Magazincover, das de Harak 1954 für „Perspectives USA“, Nr. 7, entworfen hat.

Erster Platz

60 Jahre Fachbereich Design

KID-Design

Lettland

Die Kunstakademie Lettlands feiert 60 Jahre Designausbildung mit einer Veranstaltungsreihe und einer Publikation. Ziel war es, den prozeduralen Charakter des Designs hervorzuheben – eine Art zu arbeiten, zu denken und das Erbe und die Handwerkskunst der vielschichtigen Abteilung zu betrachten. Sechs Autoren befassten sich mit der Entwicklung der Designausbildung der Akademie, wobei jeder über eines seiner Jahrzehnte nachdachte und dabei die wichtigsten Ereignisse sowohl in der Abteilung als auch die politischen Entwicklungen im Land hervorhob.

Das Design verweist auch auf den Prozess mit einem Notizbuch in einer anderen Größe für jedes Jahrzehnt, das Wachstum und kontinuierlichen Fortschritt symbolisiert. Skizzenblockcollagen und die ersten Phasen des kreativen Prozesses dienen als Inspiration für die Jubiläumsidentität, die Form der Edition und die grafische Lösung. Diese Dinge bilden ein Archiv der Arbeit des Designers, das während des gesamten kreativen Lebens als starke Inspirationsquelle dient.

Zweiter Platz

Prozessmusik: Lieder, Geschichten und Studien zur grafischen Kultur

Vergängliche Staaten

USA

Process Music: Songs, Stories, and Studies of Graphic Culture ist eine Sammlung von Schriften über Grafikdesign, die von ausführlichen kritischen Untersuchungen von Designfiguren und -artefakten bis hin zu kurzen persönlichen Memoiren reicht, die sich direkt und indirekt mit dem Einfluss von Design auf die Kultur befassen. Das Gestaltungsschema des Buches zielt darauf ab, Methoden der kritischen Selbstprüfung zu verkörpern und hervorzuheben. Es bedeutet auch, den Autor zu repräsentieren, der oft eine eigenwillige und respektlose Sicht auf Design, seine Konventionen und Kongressteilnehmer vertritt. Dies beginnt mit dem Cover-Design, das selbst ein origineller Aufsatz ist („Go Now“), der ein bekanntes selbstreferentielles Design-Artefakt diskutiert – das Hipgnosis-Album-Cover-Design für XTCs „Go 2“ – und die Rolle von Cover-Designs (beide Alben) hinterfragt und Bücher). Das Standardmaterial für den Buchumschlag (Titel und Autor, Klappentexte, Biografie des Autors) wird auf Vorderklappen präsentiert, die zum Lesen des Textes nach hinten geklappt werden können – und schlägt LP-Cover im Klappformat vor. Merkmale wie die Abriebmuster werden durch die Lektüre des Einbandtextes verstanden. Auf der Rückseite der Umschläge ist der Index des Buches aufgeführt, wobei der schmucklose Bestand hervorgehoben und in den Vordergrund gerückt wird und die Normen für das Buchlayout umgekehrt werden. Das Meta-Konzept zieht sich durch das ganze Buch, wobei die Kapitelseiten das Design und die Stimme des Einbandtextes fortsetzen. Das Buch kann insgesamt als vollständig eingedeckt angesehen werden: vollständig gerahmt. Oder ohne Cover: alles Insider-Story.

Dritter Platz

Inhaltsverzeichnis | Die andere Sammlung | Spiekermann, Dulkinys, Schmitz

TOC Publishing GmbH

Deutschland

Auch im 21. Jahrhundert ist die Herausgabe und Veröffentlichung von Literatur lohnend und ein Privileg. Wichtige Bücher verdienen die besten Materialien, das beste Design und den besten Druck. Diese Überzeugung ist das Herzstück von TOC: das Beste der zeitgenössischen Literatur mit außergewöhnlichem Design und Druck zu vereinen.

Diese Bücher werden auf Desktops mit modernen typografischen Werkzeugen entworfen und auf einer legendären Heidelberger Zylinderpresse aus dem Jahr 1954 gedruckt. Bei TOC verbinden sie modernen Geschmack mit der Qualität und Handwerkskunst des jahrhundertealten Buchdrucks. Durch die Übertragung der Layouts auf Polymerplatten mit einem Laserbelichter und die schrittweise Verbesserung der Druckqualität auf einer Zylinderpresse von Heidelberg vereint TOC die Vorzüge analoger und digitaler Verfahren. Das Ergebnis ist das Beste aus beiden Welten: verfeinerte digitale Typografie und ein reibungsloses analoges Leseerlebnis. Dieser neue Druckstil verändert die Qualität einer Seite verblüffend und ist eine Hommage an das Wissen, die Handwerkskunst und die Schönheit des historischen Drucks.

Die Bücher sind in einer limitierten Auflage von 998 Exemplaren erhältlich, nummeriert und von den Autoren signiert. Leineneinbände sind mit dem Namen des Autors, dem Titel und dem TOC-Logo blindgeprägt; Die Vorsatzblätter ändern mit jeder Ausgabe ihre Farbe, ebenso wie das individuell gefärbte Kopfband und Leseband. Die genähte Bindung sorgt dafür, dass sich das Buch leicht öffnen lässt.

Die Jacken folgen dem Thema textiler Muster und werden in drei Farben auf Gmund-Baumwollpapier gedruckt, um die Unvollkommenheiten des manuellen Prozesses zu würdigen, anstatt sie zu verbergen.

Typografie wird sowohl aus konzeptioneller als auch praktischer Sicht spezifiziert. Das Lesen von Literatur muss mühelos und angenehm sein. Anstatt die Nostalgie zu wiederholen, sind die TOC-Bücher wiederum in zeitgenössischen Schriftarten gehalten, die für die Buchliebhaber von heute entworfen wurden. Sie arbeiten mit hervorragenden Buchbindern, Papierherstellern und Druckern zusammen, die ihr Handwerk verstehen und lieben. Das Ergebnis ist eine überarbeitete, luxuriöse und nachhaltige Edition.

Erster Platz

Öffentliche Bibliothek London

Bruce Mau Design

Kanada

Bibliotheken sind ein wichtiger Teil von Gemeinschaften und bieten die soziale Infrastruktur, die jungen Müttern, Neuankömmlingen, Senioren, kleinen Kindern und allen dazwischen zugute kommt. Die Rolle der London Public Library ist nicht anders, nicht nur als Ort für Bücher und Lektüre, sondern zunehmend auch als Anlaufstelle für vielfältige Community-Programme.

Ziel der Bibliothek war es, eine visuelle Identität zu schaffen, die ihr Publikum auf einer menschlicheren Ebene anspricht und die oft nicht anerkannte Rolle von Bibliotheken in unseren Gemeinden beleuchtet. Wir wollten die Bibliothek im Wesentlichen „über Bücher hinaus“ führen.

BMD hat eine flexible Identität geschaffen, die diesen Gedanken mit einem verspielten, ansprechenden und dynamischen Logo feiert. Die beiden „L“ in der Kurzform (LPL) dienen gleichzeitig als Beine und tragen das „P“ als Sprechblase, um Dialog und Engagement hervorzuheben. Das „P“ kann seine Form ändern und so eine Vielzahl anthropomorpher Charaktere schaffen, die die vielen Aspekte der LPL auf leichte und lebendige Weise darstellen können.

Das System ist einfach zu bedienen und die Bibliothek kann bei der Erstellung neuer Programme weitere Illustrationen erstellen. Diese Plug-and-Play-Assets eignen sich perfekt für ein Unternehmen mit einem kleinen Marketingbudget und dem großen Ziel, alle willkommen zu heißen.

Zweiter Platz

Sinéad O'Dwyer

Grünfläche

Großbritannien

Sinéad O'Dwyer ist eine in Dublin geborene Modedesignerin und Absolventin des Royal College of Art. Sie arbeitet kontinuierlich daran, die Darstellung weiblicher Körper in der Mode zu verändern, indem sie tragbare Skulpturen aus Silikonstücken kreiert, die direkt aus Frauenkörpern gegossen werden. O'Dwyers Arbeit basiert auf Themen wie Körper, Feiern, Zusammenarbeit, Kreativität und Inklusivität und zielt darauf ab, Stereotypen und Narrative rund um bestimmte Körper zu verändern. Mit ihren Kollektionen schafft O'Dwyer eine Sprache der Schönheit und Akzeptanz, die jedem unabhängig von seiner Größe zugänglich ist. Wir wurden beauftragt, eine Markenidentität zu schaffen, die diese Qualitäten zum Ausdruck bringt und durch den strategischen Gedanken „Aus Liebe zu jedem Körper“ zusammengefasst wird.

Das Kreativteam von Greenspace ließ sich von der sich ständig verändernden, „unvollkommenen“ Natur der Körperform und den Materialien, mit denen O'Dwyer regelmäßig arbeitet, wie beispielsweise Silikon, inspirieren. Anschließend arbeiteten sie mit Swiss Typefaces an einer flexiblen Wortmarke, die vom Aussehen von Körpern und davon, wie Haut und Fett „kneifen“ und „falten“, inspiriert ist. Diese Wortmarke führte zur Schaffung einer benutzerdefinierten Anzeigeschrift namens „Every Body Suisse“: einer angepassten Version der Schriftart Suisse Int'l Condensed von Swiss Typefaces. Jede Buchstabenform sowohl in der Wortmarke als auch in der Schriftart hat einen alternativen „Körperform“-Charakter, der verwendet wird, um unverwechselbare typografische Aussagen zu schaffen, die sich gut in die Kollektionen von O'Dwyer einfügen. Animationen erweckten die Schrift zum Leben und zeigten nicht nur, wie Körper aussehen, sondern auch, wie sie sich bewegen. Greenspace kombinierte den typografischen Ansatz mit einer Reihe grafischer Elemente, Bewegungsstile und Drucktechniken, die in der oft kargen Modewelt hervorstachen. Die Farbpaletten wurden aus aktuellen Kollektionen abgeleitet und das Kreativteam würdigte die Materialien von O'Dwyer mit Schichten taktiler Drucktechniken.

Die Identität gipfelte in einer durchdachten, sensiblen und zukunftsorientierten Marke, die den Charakter von O'Dwyer und ihrer Arbeit vermittelt.

Dritter Platz

Museum der Schönen Künste Boston

Basisdesign

USA

Erster Platz

Feldkarte 1933/1939

Univisuell

Italien

„Campo Grafico 1933/1939: die Geburt des Grafikdesigns“ im ADI Design Museum wurde vom 25. März bis 10. April 2022 ausgestellt, von Gaetano Grizzanti für die Campo Grafico Association [www.campografico.org] kuratiert und von AIAP veröffentlicht Editionen.

Am Vorabend des 90. Jubiläums der italienischen Zeitschrift „Campo Grafico – Rivista di estetica e di tecnica grafica“ aus den 1930er-Jahren wurden erstmals alle 66 Titelausgaben ausgestellt, um die Bedeutung eines weltweit anerkannten Kulturwerks hervorzuheben.

Die „Campo Grafico“-Geschichte umfasst über 100 Bilder, einen limitierten Katalog mit 500 nummerierten Exemplaren, ein illustriertes Poster aller 66 Cover und die Transkription (mit englischer Übersetzung von James Clough) von 12 Originalartikeln des Journals.

Diese von Gaetano Grizzanti und Giancarlo Tosoni gestaltete Publikation ist explizit vom „Campista“-Stil inspiriert und bringt alle Facetten dieses vielschichtigen Phänomens zum Ausdruck.

„Campo Grafico“ wurde in Mailand als Wette freier Geister geboren und nutzte die historische Chance, die sich in der ersten Hälfte der 1930er Jahre zwischen dem Aufstieg des Nationalsozialismus und dem Abgrund der Rassengesetze unter dem Einfluss großer Kultur- und Kunstschaffender entwickelte Avantgarden des 20. Jahrhunderts.

Campo Grafico wurde schnell zum fruchtbaren Boden für die ästhetischen Trends und Gedankengänge, die den italienischen Stil in Typografie und visueller Kommunikation hervorbringen werden.

Zweiter Platz

ArtCenter Viewbook 2023-24

ArtCenter College of Design

USA

ArtCenter hat kürzlich sein Viewbook neu konzipiert, die alle zwei Jahre erscheinende Publikationsreihe des Colleges, deren Hauptzweck darin besteht, potenzielle Studenten zu rekrutieren. Die Bände für Studenten und Absolventen der Ausgabe 2023–24 wurden mit der Überlegung entworfen, dass Studierende ArtCenter heute am wahrscheinlichsten entweder über seine Website oder seine Präsenz in den sozialen Medien entdecken. Gleichzeitig machten Lieferkettenprobleme und die steigenden Papier- und Druckkosten die Notwendigkeit einer gezielteren und gezielteren Nutzung von Druck deutlich. Die Antwort war, mit weniger mehr zu erreichen und die Dinge hervorzuheben, die Druck am besten kann. Mit fluoreszierenden Farben, Stanzen und Folienprägung wurde ein einprägsames physisches Objekt geschaffen, dessen Präzision und Liebe zum Detail die Qualität der Kunst- und Designausbildung verdeutlichen, die ein angehender Student an der Hochschule erwarten kann. Bilder wirkungsvoller studentischer Arbeiten stehen im Vordergrund, aber die fertige Arbeit wird von einem visuellen Fokus auf laufende Arbeiten und studentische Erfahrungen begleitet, zusammen mit einem wärmeren, zugänglicheren Ansatz beim Texten. QR-Codes leiten potenzielle Studenten zur Website des Colleges und das Design stellt klar die nächsten Schritte für die Bewerbung beim College dar.

Dritter Platz

Ein schöner Fehler

Zetafont

Italien

„A Beautiful Mistake“ ist der offizielle Katalog von OFFF Tel Aviv 2022, der israelischen Ausgabe des bekannten OFFF Barcelona Kreativitäts- und Designfestivals.

Um das Thema der Ausgabe – „OFFF*UCK, lasst uns Fehler feiern“ – darzustellen, beschloss Zetafonts, seinen Katalog in ein echtes Manifest grafischer und typografischer Fehler umzuwandeln. Diese spielen unerwartet mit den Lesern und begleiten die Beiträge internationaler Künstler und Studios, wie Tina Touli, Burton Rast, Kiel M, Territory Studio und viele andere.

Das Konzept des Festivals unterstreicht, dass Fehler ein wesentlicher Bestandteil des kreativen Prozesses sind. Deshalb werden sie im Katalog so weit wie möglich erfasst, von Bildern mit niedriger Auflösung und fehlenden Schriftarten bis hin zu falsch ausgerichteten Texten, schlechten Überdrucken, Lorem-Ipsum-Resten und sogar einem umgedrehten Cover .

Das Projekt folgt Erik Spiekermanns Lektion „Besser gemacht als perfekt“ und erinnert uns daran, dass wir nur dank Fehlern über die Regeln hinausgehen können, die wir (fälschlicherweise) für unantastbar halten.

Erster Platz

Amar

Studio MMBB

USA

Als Mel Barat Bours in San Francisco lebte, lernte er einen faszinierenden Schriftsteller kennen, der mit Parfüm als Mittel zur Selbstpflege experimentierte und über die Gründung eines Unternehmens nachdachte. Die Autorin war unglaublich viel gereist und wollte viel von dieser Erfahrung in ihre Kreationen einbringen. Sie wusste, wie das Ethos ihres Unternehmens aussehen würde, brauchte aber eine Hand, um es greifbar zu machen. Nachdem wir mehrere Ideen vorgestellt und einige durchgearbeitet hatten, endete das Projekt.

Die Zeit schritt voran, aber dieses Projekt blieb immer noch im Hinterkopf von Mel. Und im letzten Frühjahr wurde es wiederbelebt. Nachdem sie sich durch Skizzen gekümmert hatte, um ein nicht ausgewähltes Logo zu finden, das ihr absolut gefiel, legte sie los.

Der Name Amar bedeutet in verschiedenen Sprachen viele Dinge: für immer, unsterblich, langlebig, Mond und lieben. Die Ideen von Alchemie, Zeitlosigkeit und Salbung bildeten den Kern der Arbeit des Parfümeurs. Mel wollte ein visuelles System schaffen, das sowohl ein Symbol als auch eine Wortmarke umfasst und diese amorphen und ziemlich magischen Ideen auf eine sowohl elegante als auch etwas unerwartete Weise vermittelt.

Die Ikone ist von heiliger Geometrie und einem Gefühl der Ganzheit inspiriert. Abwechselnde Reihen von Tropfenformen ahmen die Kugelklemmen in Schick Toikkas Schrift Saol nach und erinnern an die Mitte einer Sonnenblume oder an Öltröpfchen, die sich auf der Oberfläche stillen Wassers bilden. Die Palette ist in einem tiefen Smaragdgrün verankert – ein Symbol für nasse Felsen, grüne Wälder und geheimnisvolle Himmel. Die marmorierte Textur aus der British Library sorgt für zusätzliche Bewegung und erinnert an traditionelles alchemistisches Handwerk.

Barat Bours entwarf ein zweistöckiges, hohles, scheibenförmiges Gefäß, das das Gefühl vermitteln sollte, einen schweren Flussstein in der Hand zu tragen. Es war wichtig, dass die Flasche sowohl ein visuelles als auch ein physisches Gewicht hat. Es wird in einer Teleskopbox mit leicht metallisch marmoriertem Deckel und diskretem Branding geliefert, um die Wiederverwendung als Aufbewahrungsbehälter zu Hause zu fördern.

Zweiter Platz

Das Letterpress-Quilt-Projekt

GEZUCHT

USA

Das Letterpress Quilt Project ist ein handgefertigter, einzigartiger Letterpress Quilt, der von Associate Professor Brenda McManus von der Pace University und Professor Ned Drew von der Rutgers University-Newark entworfen, gedruckt und produziert wurde.

Das Letterpress Quilt Project entstand in den dunkelsten Tagen der globalen Pandemie, auf der Suche nach Trost und Vertrautheit inmitten der Angst und Unsicherheit der Zeit. Auf der Suche nach Trost in der konzentrierten, systematischen und arbeitsintensiven Natur des Buchdrucks entschied sich BRED, mit dem Drucken auf Stoff zu experimentieren, der ihnen in einer Zeit unvorstellbaren Stresses eine kreative Quelle der Erleichterung und des Wachstums bot.

Die schwarzen, silbernen und blauen Buchdruckkompositionen im Format 12 x 12 Zoll waren das Ergebnis eines spielerischen Glücksspiels mit Kompositionen unter Verwendung unserer großen Holzschnittschrift. 56 quadratische Stücke wurden auf zwei Universal III Vandercook-Druckmaschinen auf einen weißen Baumwollstoff gedruckt. Diese Quadrate wurden dann in acht Reihen zu je sieben Einheiten angeordnet und im Studio auf einer alten Singer-Nähmaschine zusammengenäht. Der Rand und die Rückseite bestehen aus einem kontrastierenden leuchtend orangefarbenen Baumwollflanelltuch, und die Bindung wurde extern vergeben und ist die einzige kommerziell genähte Komponente. Schließlich wurde es mit Stickgarn von Hand gesteppt, um einige der geometrischen Muster in den typografischen Kompositionen aufzugreifen. Diese dynamischen Gruppierungen aus Rechtecken, Kreisen, Quadraten und Diagonalen unterstreichen die inhärente Struktur der typografischen Formen.

Das Letterpress Quilt Project dient nicht nur als Quelle des Trostes in einer so dringend benötigten Zeit, sondern vielleicht, was noch wichtiger ist, als visuelle Erinnerung an unsere Hingabe, die typografischen Objekte, die wir alle lieben, zu bewahren und gleichzeitig ihre Möglichkeiten für andere zu erweitern.

Erster Platz

GenCup – Generative Weltmeisterschaft 2022

Zeh Fernandes & Frame Vincit

Brasilien

GenCup ist ein einzigartiges generatives Kunstprojekt, das Elemente aus Grafikdesign, Fußball und Daten kombiniert, um ein visuell beeindruckendes und emotionales Erlebnis zu schaffen. Das Projekt nutzt die Zufälligkeit der realen Welt, indem es die von den 22 Spielern auf dem Spielfeld generierten Daten in visuelle Elemente umwandelt.

Dieses Projekt bietet einen einzigartigen und innovativen Ansatz, um die Erinnerungen an die Weltmeisterschaft festzuhalten, das größte Sportereignis der Welt mit einer Zuschauerzahl von über 3 Milliarden Menschen. Mithilfe von Echtzeitstatistiken der FIFA-APIs wandelte das Team verschiedene Spielelemente wie Ballbesitz, Tore, Anzahl der Pässe, Abschlussquote, Torschüsse, Fouls, Ecken und Spielintensität in optisch ansprechende Formen, Farben und Symbole um.

Mithilfe von JavaScript und der Canvas-API konnten sie dynamische Poster erstellen und diese im JPG-Format exportieren. Die endgültigen Bilder wurden auf hochwertigem Photo Rag 308g-Papier gedruckt und bieten eine hochwertige, für die Präsentation geeignete Oberfläche.

Das Projekt bietet dem Zuschauer ein dreistufiges Erlebnis. Zunächst wird der Zuschauer in eine Welt aus Formen und Farben entführt, die die Emotionen des Spiels verkörpern. Zweitens kann der Betrachter die Kunstwerke nebeneinander vergleichen, um ein tieferes Verständnis der Elemente zu erlangen, indem er sie mit seinen Erinnerungen an das Ereignis verknüpft. Schließlich kann der Betrachter das Kunstwerk vollständig verstehen, indem er es in seine einzelnen Details zerlegt.

Im kulturellen Kontext lässt sich GenCup von der universellen Leidenschaft für Fußball und der datengesteuerten Welt, in der wir leben, inspirieren. Durch die Kombination dieser Elemente schafft das Projekt ein einzigartiges, ansprechendes Erlebnis für Zuschauer aller Herkunft. Der Einsatz generativer Kunst verleiht der traditionellen Darstellung von Sportarten zudem eine zeitgenössische Note, macht sie einem breiteren Publikum zugänglich und eröffnet neue Möglichkeiten des kreativen Ausdrucks. Darüber hinaus unterstreicht der Schwerpunkt des Projekts auf der Nutzung realer Daten, wie wichtig es ist, die Welt um uns herum auf neue und innovative Weise zu verstehen und zu interpretieren. GenCup bietet eine neue Perspektive auf die Schnittstelle von Sport, Design und Technologie und macht es zu einem wirklich einzigartigen und kulturell relevanten Projekt.

Zweiter Platz

Genetische Artefakte

Courtney Barr

USA

Diese fortlaufende Serie visualisiert „DNA-Barcodes“, kurze Ausschnitte von DNA-Sequenzen, die Wissenschaftler zur Identifizierung von Arten verwenden und die in wissenschaftlichen Open-Source-Datenbanken zugänglich sind. Diese Arbeit verwendet eine benutzerdefinierte SVG-Farbschriftart, „DNA Strands“, um DNA-Sequenzen ausgestorbener Arten darzustellen.

Das visualisierte Datendesign wird in einem kleinen Gehäuse unter einer Vergrößerungslinse geliefert, um dem „Exemplar“ ein Gefühl von Kostbarkeit und Seltenheit zu vermitteln. Während das Herzstück des Stücks eine digital erstellte Visualisierung der DNA ist, ist das äußere Gehäuse eine Holzkiste mit lasergeschnittenen Formen und eingravierter Typografie. Die Arbeit mit Holz und Glas trägt dazu bei, den Inhalt in der realen Welt zu „erden“.

Dritter Platz

Das neue Glückliche

USA

The New Happy verwandelt wissenschaftliche Forschung in einfache, nützliche und schöne Designs, die Millionen von Menschen zu ihrem Glück und Wohlbefinden verhelfen. Sie versuchen, eines der größten Probleme unserer Welt anzugehen – das Unglück.

Es gibt eine große Menge akademischer Forschung, die wichtige Erkenntnisse und Praktiken identifiziert hat, die das Wohlbefinden verbessern. Leider sind diese Informationen für den Durchschnittsbürger nicht zugänglich. Das meiste davon ist nicht nur in Fachzeitschriften versteckt, es wird auch nicht in umsetzbare Tools umgesetzt.

Das Team von The New Happy schließt diese Lücke, indem es Forschungsergebnisse in eine völlig neue visuelle Sprache übersetzt, die vom abstrakten Impressionismus und der Bauhaus-Bewegung beeinflusst und von einem intuitiven Gespür dafür geprägt ist, wie Formen und Farben Emotionen und Handlungen darstellen. Diese visuelle Sprache ermöglicht es, die Forschung zu kommunizieren und komplexe Themen wie Zweck, Beziehungen, Verantwortung, Mitgefühl und Trauer aufzuschlüsseln, wodurch Erkenntnisse entstehen, die Überzeugungen und Verhalten verändern. Durch diese neue Form der Kommunikation wird der Zuschauer befähigt und gerüstet, sich selbst und anderen mit mehr Mitgefühl zu begegnen.

Eines der einzigartigen Alleinstellungsmerkmale von The New Happy ist die Art und Weise, wie sie ihre Community von über 700.000 Menschen in ihren Designprozess einbeziehen. Jede Woche bittet das Team seine Community, mitzuteilen, womit sie zu kämpfen haben und bei welchen Problemen sie Hilfe benötigen. Das Team wählt mehrere aus Hunderten von Antworten aus, beschafft die relevanten Forschungsergebnisse, übersetzt sie in eine Kernerkenntnis oder ein Werkzeug und beginnt dann mit dem visuellen Designprozess. Jedes Stück ist eine direkte Antwort auf die Bedürfnisse einer realen Person.

Die Arbeit von The New Happy erreicht jeden Monat über 4 Millionen Menschen über einen täglichen Newsletter, einen Podcast, soziale Kanäle und eine Online-Plattform. Ihre Arbeiten wurden in Publikationen wie PRINT, FastCompany, Design Milk, Grazia, Tatler und CNBC vorgestellt und werden von Regierungen, Unternehmen, Schulen und Organisationen auf der ganzen Welt genutzt.

Erster Platz

Siehe Wörter: Überall

Siehe Word Design / Learning By Design Lab

Analphabetismus betrifft alle Aspekte des Lebens eines Menschen von der Kindheit bis zum Erwachsenenalter. Menschen mit geringen Lese- und Schreibkenntnissen leben weitaus häufiger in Armut, leiden unter gesundheitlichen Problemen und geraten zunehmend in die Isolation. Untersuchungen belegen einen positiven Zusammenhang zwischen der Lesefähigkeit einer Person und ihrem Gesamterfolg im Leben. See Words: Anywhere und die spezielle Schriftart SeeType wurden entwickelt, um diesem wichtigen gesellschaftlichen Bedürfnis gerecht zu werden. Als digitales Lesekompetenzsystem und Lernmethode hilft See Words Anywhere nicht nur jungen und alten Leseanfängern, sondern auch engagierten Lehrern. Egal, ob Sie ein Erwachsener sind, der lesen lernt, oder ein Drittklässler, der noch versucht, das Lesen zu meistern, See Word Anywhere gibt geduldig Nachhilfe, wann und wo auch immer.

Zusammen mit SeeType, das sich die Technologie variabler Schriftarten zunutze macht, lehren sie Phonetik beim Lesen. Darüber hinaus unterstützt die Anwendung Leseschwierigkeiten bei anderen frühen Lesefähigkeiten wie Wortschatz, Grammatik, Präfixe/Suffixe und Rechtschreibung.

Die patentierte Seetype-Schriftart arbeitet auch mit AR-Technologie, um Leseschwierigkeiten in physischen Räumen zu unterstützen. Die Entwicklung dieser Unterrichtserfahrung wurde von Designprinzipien, Bildungswissenschaft und Forschung geleitet. Mithilfe einer Co-Design-Methodik arbeitete das Learning by Design-Team mit Linguisten, Pädagogen und Lesespezialisten zusammen. Basierend auf einer generierten Objektwortliste decken SeeType-Schriftzeichen alle vierundvierzig Laute der englischen Sprache ab. Indem der Leseschüler darauf hingewiesen wird, die Laute der Buchstaben zu sehen und zu hören, wird diese Assoziation für die spätere Erinnerung gesichert.

Zweiter Platz

Alle stimmen gegen „Nein spielen“.

Kreatives

Deutschland

All Vote No Play, ebenfalls Gewinner des Citizen Design Award in diesem Jahr, begann als Aufruf zum Handeln. Im Juni 2020 twitterte Trainer Eric Reveno, damals stellvertretender Cheftrainer für Georgia Tech Men's Basketball, dass der Wahltag ein spielfreier Tag und ein aktiver Tag zum Wählen sein sollte. Der Tweet verbreitete sich schnell viral und inspirierte über 1.100 Trainer, sich zu verpflichten, dasselbe zu tun.

Die Ergebnisse der Aktivismus- und Rassenumfrage der National Collegiate Athletic Association (NCAA) zeigen, dass 75 % der studentischen Sportler nach Möglichkeiten für bürgerschaftliches Engagement suchen. Allerdings mussten die Ressourcen und die Unterstützung dafür verbessert werden. Deshalb arbeitete die Initiative mit der NCAA und studentischen Sportlerführern in den gesamten USA zusammen, um einstimmig Gesetze zu verabschieden, die den Wahltag jedes Jahr zu einem besonderen Tag für bürgerschaftliches Engagement machen. Seitdem hat sich die Kampagne zum führenden Anbieter überparteilicher Bürgerprogramme, Materialien und Unterstützung für studentische Sportler, Trainer und Sportabteilungen entwickelt.

Dritter Platz

Hongkong

Áron Borbély, Kompaktstudio

Budapest

Im Jahr 2019 kam es im ostasiatischen Stadtstaat Hongkong zu einer Reihe von Demonstrationen, wie sie noch nie zuvor gesehen und erlebt wurden. Einige davon waren gut durchdacht und organisiert, andere waren drastisch, spontan und gewalttätig. Diese Ereignisse werden in unserem Künstlerbuch verfolgt, in dem die objektive, kurze Darstellung der Demonstrationen und ihrer Ereignisse den subjektiven Erfahrungen der drei Studenten gegenübergestellt und durch unsere eigenen grafischen Lösungen und Sprache ergänzt wird, wodurch ein gemischtes, multidisziplinäres Werk entsteht Kunst. Die Fotos im Buch von Gábor Bácsfai fangen die Atmosphäre der Ereignisse aus nächster Nähe ein.

Erster Platz

HUE, das Magazin von FIT, The Fashion Institute of Technology

Neugestaltung des Magazins

Alexander Isley Inc.

USA

Der Auftrag: Machen Sie es groß, plakativ und unterhaltsam zu lesen, wobei jede Seite eine Überraschung darstellt. HUE gibt es nicht an Kiosken, daher waren weder ein großes Namensschild noch Titelzeilen erforderlich. Die Cover des neu gestalteten Magazins sind etwas rätselhaft und lassen erahnen, was darin enthalten sein wird. In diesem Fall stellt das T-Shirt den Hauptbeitrag der Ausgabe vor: „Was ist amerikanischer Stil?“

Die begleitende digitale Ausgabe wurde in Zusammenarbeit mit den Teamkollegen der GoodFolk Agency erstellt.

Zweiter Platz

New York Times Best of 2022

Sonntagnachmittag / Juan Carlos Pagan

USA

Das New York Times Arts & Leisure-Cover – Best of 2022 würdigte die Musik, den Film, das Fernsehen, die Kunst, das Theater, den Tanz, die Podcasts und die Comedy, die uns im Jahr 2022 am Laufen gehalten haben. Das Design ist eine lange Spur der Typografie – Überlappung, Dehnung, und verbinden sich mit einer Vielzahl von Farben, die uns das ganze Jahr 2022 inspiriert haben.

Dritter Platz

Erinnerung an Columbia

Texas Tech University

USA

Evermore erzählt die emotionalen Geschichten der Besten und Klügsten der Texas Tech University, von den mutigen Pionieren, die vor einem Jahrhundert den Grundstein legten, bis hin zu denen, die unsere nationale Forschungseinrichtung heute in die Zukunft treiben. Diese wertezentrierte Publikation würdigt die Alumni, die die Universität während ihres gesamten Wachstums treu unterstützt haben, die Dozenten und Forscher, die weltverändernde Arbeit leisten, und die Studenten, die das Erbe weiterführen werden. Das Projekt ist bestrebt, das typische Texas-Tech-Ideal zu stärken: Von hier aus ist es möglich. Dieses Magazin ist bestrebt, die Erfolge der Vergangenheit mit den Chancen der Zukunft zu verbinden, indem es den aktuellen Themen einen historischen Kontext bietet, gleichzeitig einen Blick nach vorne wirft und unsere Leser zum Handeln inspiriert. Wie die Universität, die es repräsentiert, verbindet Evermore ein Gemeinschaftsgefühl, Möglichkeiten und den Mut von Fearless Champions.

In Ausgabe 3 lag der Schwerpunkt auf einer Tatsache, die in der Community bereits bekannt, aber immer noch heikel ist: dass zwei Mitglieder der zum Scheitern verurteilten letzten Columbia-Space-Shuttle-Mission vor 20 Jahren Verbindungen zur Texas Tech hatten. Commander Rick Husband war ein Absolvent der Texas Tech, und Pilot Willie McCool war der Sohn zweier Fakultätsmitglieder. Aber es gab auch andere Red Raiders, die in und um Columbias letzten Flug eine wichtige Rolle spielten – Ausgabe 3 erzählte ihre ganze Geschichte.

Das Ziel dieser Ausgabe war es, die sieben an Bord der Columbia verlorenen Leben zu würdigen und den Mut der nächsten Angehörigen zu würdigen, die auch 20 Jahre später weiterhin ihre Geschichten erzählen. Die Columbia-Seite hat es in sich und die Gestaltung der Geschichte nimmt die Leser mit auf die gleiche fesselnde und emotionale Reise wie diejenigen, die sie erlebt haben.

In Teil 1, in dem die hoffnungsvolle Kindheit von Ehemann und McCool und die Reise zur Columbia-Crew erzählt wird, spiegelt die Farbpalette den hellen Morgenhimmel wider. In Teil 2 werden die Farben stärker, als die Menschen am Boden von der Zerstörung des Shuttles erfahren und beginnen, mit den Nachwirkungen umzugehen, wie das grelle Mittagslicht. In Teil 3, als die Such- und Bergungsbemühungen beginnen, verändern sich die Farben in das Gold und Orange des späten Nachmittags. In Teil 4 umrahmt eine sternenklare Nacht das Erbe und die Lehren Kolumbiens.

Dieser Übergang durch die Geschichte nutzt den vertrauten Verlauf des Tages als Rahmen, um den Lesern zu helfen, zu wissen, wo sie sich befinden. Immerhin handelt es sich um satte 24 Seiten mit oft emotional herausforderndem Material, und dieser Rahmen weist den Leser darauf hin, dass er sich dem Ende nähert. Mit diesem Ende zahlt sich die Entscheidung der Leser aus, ihre Zeit und geistige Bandbreite zu investieren. Es erinnert sie daran, dass die gleichen Werte, die auch die Charaktere in der Geschichte zum Ausdruck bringen, die Werte sind, die sie als Red Raiders an sich selbst schätzen, und durch diese Werte sind wir alle verbunden.

Erster Platz

North Kansas City Early Education Center

DLR-Gruppe

USA

Der Entwurf der DLR Group für das North Kansas City Schools Early Education Center ist auf eine einzigartige Gruppe von Frühlernern ausgerichtet. Die Notwendigkeit, das frühkindliche Sonderpädagogikprogramm des Bezirks mit wachsenden frühkindlichen Angeboten an einem Ort zu konsolidieren, veranlasste den Bezirk, eine adaptive Wiederverwendung eines bestehenden Hobby Lobby & Price Chopper zu verfolgen. Diese groß angelegte Aktion unterteilt das Gebäude in sieben verschiedene Lerngemeinschaften, die sich mit biophilen Themen in der Natur befassen, von Bienenwaben bis hin zu Schmetterlingen. Jede Gemeinschaft bietet den Lernenden eine kleinere Kohorte für Interaktion und Engagement sowie Zugang zu Einrichtungen der Einrichtung, darunter Mehrzweckräume mit Sinneserlebnissen, erweiterte Spielmöglichkeiten im Freien, ausziehbare Räume zur Deeskalation und zum Testen sowie weitläufige Entdeckungszonen für zusätzliches Spielen im Innenbereich. Ebenso wichtig ist die Einbeziehung von Gleichmuträumen für Lehrer, da sie den Pädagogen einen Raum bieten, der für die Interaktion und Zusammenarbeit von Erwachsenen vorgesehen ist.

Die 112.000 SF große Einrichtung beherbergt etwa 900 frühe Lernende im Alter von 3 bis 5 Jahren und ist damit eine der größten frühkindlichen Einrichtungen im Bundesstaat Missouri. Ungefähr 50 % dieser Bevölkerung sind Lernende mit besonderen Bedürfnissen, die aus einer bestehenden Einrichtung wechseln, die leistungsschwach war. Innenausstattung und Planung wurden sorgfältig geprüft, um sicherzustellen, dass alle Lernenden gleichberechtigte Lernerfahrungen machen. Im Rahmen eines vollständig integrierten Designprozesses erstellte die DLR-Gruppe ein Bilderbuch, das auf den Umweltgrafiken des Projekts basierte. Eine der Projektarchitektinnen, die auch Mutter kleiner Kinder ist, fungierte als Autorin der Übung. Das Buch wurde als Hardcover und PDF gedruckt und allen Lehrern der Schule zur Verfügung gestellt, damit die Eltern ihren Kindern die Geschichte vor dem ersten Schultag vorlesen konnten. Ziel ist es, dass die „Freunde“ aus dem Bilderbuch die Kinder am ersten Tag begrüßen und ihnen helfen, die Angst vor dem ersten Schultag zu lindern.

Zweiter Platz

Wunschbrunnen

SOSSE

USA

Wish Fountain ist ein interaktives Erlebnis, das die Wünsche der Besucher in eine farbenfrohe, wasserähnliche Lichtshow auf einer wellenförmigen Holzbank und an der Wand montierten Bildschirmen verwandelt. Die Installation ist Teil einer Reihe einzigartiger digitaler Kunstwerke, die für neu renovierte Hochhäuser in San Diego geschaffen wurden und dazu dienen, Gemeinschaft aufzubauen, Besuchern eine Leinwand zu bieten, auf der sie den Raum beeinflussen können, und über die lokale Kultur nachzudenken.

Inspiriert von der natürlichen Umgebung und Meereslandschaft San Diegos zeigt „Wish Fountain“ die Wellen auf der Wasseroberfläche, wenn eine Münze in einen Wunschbrunnen geworfen wird. Mit der Anmutung eines abstrakten Landschaftsmodells von San Diego erinnert die wellenförmige Oberfläche aus abwechselnd Sperrholz und Harz an die zahlreichen natürlichen Wasserstraßen der Gegend zwischen Hügeln. Über diese natürlichen Elemente hinaus integriert Wish Fountain die digitale Darstellung lokaler Fischarten – wie Mahi Mahi, Makrele und Garibaldi – um einen Effekt wie den eines Koi-Teichs zu erzeugen, der in vielen Kulturen Ruhe und Glück bringt.

Besucher teilen ihre Wünsche per Textnachricht an eine angegebene Telefonnummer mit, als Bild oder Text, als Reaktion auf eine Aufforderung, die auf den Bildschirmen angezeigt wird. Jeder Wunsch ist ein Geheimnis zwischen dem Absender und dem Brunnen, was zu einer einzigartigen und faszinierenden Farbanimation auf der Bank und den angrenzenden digitalen Bildschirmen führt.

Die KI-Engine, die Wish Fountain antreibt, nutzt einen Prozessor für natürliche Sprache, um die Stimmung und den Inhalt des Textes jedes Besuchers zu entschlüsseln. Die Installation ändert dann ihre Farben, Bewegungen und Fischarten, um auf den Wunsch zu reagieren, was zu reflektierenden und unverwechselbaren Animationen der Gedanken und Gefühle jedes Besuchers führt.

Um die Aufforderungen aktuell zu halten, hat der Gebäudeeigentümer Zugriff auf ein cloudbasiertes Content-Management-System, mit dem er die Wunschaufforderungen aktualisieren kann, um aktuelle Ereignisse, Feiertage oder relevante lokale Themen widerzuspiegeln.

Die Projektteams haben sich der adaptiven Wiederverwendung verschrieben und Wish Fountain ist die perfekte Antwort, um einem vertrauten Raum auf kreative Weise neues Leben einzuhauchen. Digitale Installationen wie Wish Fountain haben eine immergrüne Qualität; Indem sie für jeden Benutzer ein einzigartiges Erlebnis schaffen, verleihen sie ihrem Raum stets einen dynamischen Wert.

Dritter Platz

Chamäleonwand

SOSSE

USA

Chameleon Wall ist eine von der Natur inspirierte interaktive digitale Wand, die Textnachrichten in einzigartige, wunderschöne Farben und Bilder übersetzt. Regent Properties beauftragte SOSO mit der Gestaltung einer Reihe einzigartiger digitaler Kunstwerke für die 701 B Street, die eine Gemeinschaft schaffen, den Besuchern eine Leinwand bieten, auf der sie den Raum beeinflussen können, und die die lokale Kultur von San Diego widerspiegeln.

So wie Chamäleons ihre Hautfarbe ändern, um ihre Umgebung nachzuahmen oder ihre Stimmung auszudrücken, drückt Chameleon Wall die Stimmungen seiner Besucher per SMS aus. Um diese Fähigkeit zur Farbverschiebung zu erreichen, untersucht Chameleon Wall tiefer den physikalischen Mechanismus der Haut von Chamäleons und nutzt diesen als Grundlage für sein optisches Design.

Im Nanomaßstab verändern Chamäleons die Struktur photonischer Kristalle in ihrer Haut, um die Art und Weise zu verändern, wie Licht gebrochen und reflektiert wird, was zu unterschiedlichen Farben führt. Diese photonischen Kristalle sind sechseckig gepackt und geben jedem Chameleon Wall-Modul die Form, während die stachelige Textur der äußeren Hautschicht der Chamäleons die Form der äußersten Linse inspirierte. Insgesamt nutzt Chameleon Wall 4 optische Schichten – genau wie echte Chamäleonhaut – um dieses Naturwunder in ein faszinierendes Kunstwerk zu verwandeln.

Wenn ein Besucher der Chameleon Wall eine SMS schreibt, analysiert ein Cloud-Server die Nachricht und die reflektierenden Kristalle nehmen in atemähnlichen Strichen die Farben und Muster des Bildes an. Wenn jemand ein Bild sendet, extrahiert die Wand die vorherrschenden Farben und erstellt aus diesen Farben organische Designs. Wenn sie Text senden, wandelt ein benutzerdefinierter Algorithmus diese Wörter und Phrasen in ihre typischen Farben um und verwandelt sie in Animationen. Wenn niemand damit interagiert, zeigt die Wand eine Reihe kuratierter Bilder.

Der Server nutzt die Verarbeitung natürlicher Sprache, um die Stimmung des Textes jedes Besuchers zu entschlüsseln, und die Installation ändert ihre Anzeige entsprechend, was zu einer reflektierenden und unverwechselbaren Darstellung der Gedanken und Gefühle jedes Besuchers führt. Keine zwei Ausstellungen an der Chameleon Wall sind gleich. Chameleon Wall nutzt einen umfangreichen Suchalgorithmus, um eine unendliche Anzahl von Farbpaletten und Bildern zu generieren, die basierend auf jedem Text angezeigt werden. Sogar derselbe Text kann unterschiedliche Darstellungen erzeugen und so jedes Erlebnis unvergesslich machen.

Die Projektteams haben sich der adaptiven Wiederverwendung verschrieben und Chameleon Wall ist die perfekte Antwort, um einem vertrauten Raum adaptiv neues Leben einzuhauchen. Digitale Installationen wie Chameleon Wall haben eine immergrüne Qualität; Indem sie für jeden Benutzer ein einzigartiges Erlebnis schaffen, verleihen sie ihrem Raum stets einen dynamischen Wert.

Die Chameleon Wall verbindet Menschen, baut Gemeinschaft auf und spiegelt den Puls von San Diego wider. Es bietet den Betrachtern eine leere Leinwand und die Möglichkeit, Einfluss auf ihre Umgebung zu nehmen, zusammen mit einem Gefühl der Ruhe. Das Engagement der Projektteams, einzigartige, unterhaltsame und dynamische Umgebungen zu schaffen, war der perfekte Katalysator für diese immersiven Erlebnisse.

Erster Platz

Ferrofluid-Typ

Rozi Zhu

USA

Ferrofluid ist eine Flüssigkeit, die in Gegenwart eines Magnetfelds stark magnetisiert wird. Der Ferrofluid-Typ wird über eine Anzeigeschnittstelle entworfen und präsentiert, die aus Arduino-Boards, einer 5×5-Elektromagnetmatrix, Relais, einem Netzteil und einem Glasbehälter mit Ferrofluid besteht. Alle Buchstaben und Bewegungen werden durch diese Installation mithilfe von Code und physikalischer Berechnung gesteuert.

Zweiter Platz

DNA-Stränge-Schrift

Courtney Barr

USA

DNA Strands ist eine benutzerdefinierte farbige SVG-Schriftart, die entwickelt wurde, um Benutzern eine Methode zur Übersetzung genetischer Sequenzen in visuell ansprechende Symbole zu bieten, die die DNA-Nukleobasen darstellen: A (Adenin), C (Cytosin), T (Thymin) und G (Guanin). Jede Glyphe der Schriftart stellt ein genetisches Basenpaar dar, z. B. AT, TA, CG und GC. Farbe wird verwendet, um die Nukleobasen innerhalb jedes Glyphen zu unterscheiden.

Diese Schriftart kann verwendet werden, um benutzerdefinierte visuelle Darstellungen von DNA-Sequenzen zu erstellen. Das Poster mit den Schriftexemplaren erklärt die Verwendung der Schriftart und demonstriert ihre Anwendung bei der Übersetzung genetischer Sequenzen ausgestorbener Säugetiere.

Dritter Platz

Bakemono

Zetafont

Italien

Bakemono ist eine Schriftfamilie von Zetafonts, die den sich verändernden Designraum von fester vs. proportionaler Breite erforscht und dabei die Lehren der mechanischen Schreibmaschinentechnologie mit den Intuitionen der östlichen Pinselkalligraphie verbindet.

Das Design von Bakemono begann mit der Erforschung des Konzepts des monobreiten Schriftdesigns – der Idee, die Breite jedes Glyphen in allen Strichstärken einer Schriftfamilie konstant zu halten. Diese Idee kann auch der proportionalen Schriftart mehr Flexibilität und Benutzerfreundlichkeit verleihen, sodass Sie die Gewichtung eines Wortes ändern können, ohne die Position der anderen Wörter im selben Textblock zu ändern.

Aus diesem Grund stammt der Schriftname vom japanischen Wort Bakemono, das sich auf eine besondere Gestaltwandlungskategorie der Yōkai (übernatürliche Kreaturen der japanischen Folklore) bezieht. Tatsächlich bedeutet der Begriff „etwas, das sich verändert“ und bezieht sich auf einen Zustand der Transformation, der perfekt zur metamorphen Natur der Bakemono-Typenfamilie passt. Es umfasst drei verschiedene Varianten: Monospaced (Mono), Proportional (Text), Intermediate (Stereo) mit einer variablen Version.

Dieser variable Raum ermöglicht Ihnen nicht nur den Wechsel zwischen monospaced und proportionaler Version, sondern auch die Feinabstimmung der Proportionen dazwischen mit einem „Stereo“-Zwischenabstand. Dies schafft Platz sowohl für die plumpen, auffälligen Verformungen der traditionellen Schreibmaschinenschrift als auch für die besser lesbaren und dynamischen Proportionen einer Textschrift.

Das strenge, funktionale Grundgerüst der Bakemono-Proportionen verleiht diesem von der Kalligraphie inspirierten Rahmen eine Reihe von Präsentationsmöglichkeiten. Darüber hinaus:

Bakemono spiegelt seinen multikulturellen Charakter mit seinem erweiterten lateinischen + kyrillischen Zeichensatz wider, den wir bald um Bakemono Arabic (Erkundung der faszinierenden Welt der monospaced arabischen Schrift) und Bakemono Kana (unser erstes Experiment mit CJK-Schriften) erweitern werden.

Erster Platz

Schließfächer der Danziger Bibliothek

TOFU Studio

Polen

Die Woiwodschafts- und Städtische Öffentliche Bibliothek Danzig (WiMBP) ist eine offene, zugängliche Kultureinrichtung, die ein breites Spektrum an Literatur und Informationen bereitstellt und eine führende Rolle bei der Förderung und Verbreitung der Buchkultur in der polnischen Region Pommern spielt. Für WiMBP haben wir eine Reihe von Designs und Illustrationen für neue kostenlose Bibliotheksschließfächer vorbereitet. Alle Illustrationen verwenden eine einzigartige kreative Form, um einen bestimmten Stadtteil zu würdigen.

Zweiter Platz

Arcadia-Wissenschaft

Spielen

USA

Arcadia Science ist ein Forschungs- und Entwicklungsunternehmen, das die Biologie nicht-traditioneller Organismen wie Zecken, giftiger Frösche und Algen nutzt. Ihre Mission ist es, die Grenzen der offenen Wissenschaft zu erweitern und in jedem Schritt des Forschungs-, Entwicklungs- und Kommerzialisierungsprozesses Innovationen einzuführen.

Ihre neue Identität begründet ihre experimentelle Vision durch komplementäre neutrale und lebendige Farbpaletten, von Skizzenbüchern inspirierte Layouts, klare Typografie und eine Mischung aus hochtechnischen und abstrakten Illustrationen.

Im gesamten Designsystem werden verschiedene Illustrationsstile verwendet, die jedoch alle vom Erscheinungsbild des Beobachtungsskizzenbuchs inspiriert sind. Sie reichen von hochtechnischen Zeichnungen aus wissenschaftlichen Lehrbüchern bis hin zu lockereren, abstrakteren Ansätzen. Beide sind durch die Verwendung einer gemeinsamen Farbpalette vereint. Helle Farbtöne mit einer Mischung aus Neutral-, Pastell- und Neontönen hauchen jeder Illustration Leben ein.

Das Layout der Website wurde auch vom Aussehen und Ablauf von Beobachtungsskizzenbüchern inspiriert, in denen Skizzen horizontal mit randlosen Abbildungen und großen, organisierten Schriftarten gepaart sind. Der großzügige Einsatz von Weißraum und Farbblöcken verleiht dem Layout einen frei fließenden Rhythmus, der eine elegante Koexistenz von Balance und Asymmetrie ermöglicht. Die About-Seiten sind modularisiert, um den Aufbau zu vereinfachen und gleichzeitig jedem Abschnitt ein individuelles Aussehen zu verleihen.

Dritter Platz

Oedipus rex

San Francisco Symphony

USA

Mit der Illustration von Shout und der kreativen Leitung und dem Design von Larry Williams liegt die Stärke dieser Illustration darin, dass sie mit so wenig so viel aussagt. Das endgültige Konzept für die halbszenische Produktion von „Oedipus Rex“ des San Francisco Symphony Orchestra nutzt das Symbol der Krone, um die letztendlich tragischen Ereignisse in der Geschichte des Helden hervorzuheben.

Oberflächlich betrachtet wäre das mehr als genug gewesen. Shout ging noch einen Schritt weiter und integrierte ein einzigartiges Bühnenbild in die Uniform der Figur. Er verwendete den maßgeschneiderten Thron von Ödipus aus der Produktion und verwandelte ihn in ein sehr „Gucci“-artiges Muster. Als Grundlage für die Figur dient der Darsteller in der Titelrolle.

Die Illustration funktioniert, denn wenn man die Gesamtgeschichte kennt, versteht man sofort die gesamte Symbolik. Das auffällige Bild erregte auch bei Besuchern, die mit Ödipus nicht vertraut waren, Aufmerksamkeit. Der Umsatz stieg um mehr als 27 %, als die Kampagne den Gang wechselte und sich der Illustration zuwandte.

Erster Platz

Stolz im gesamten Multiversum

Zauberer der Küste

USA

Pride Across the Multiverse ist eine Hommage an die unermüdliche Kreativität der LGBTQIA2+-Community. Die Magic-Sammelkarten in diesem Drop basieren auf vielen unterschiedlichen Erfahrungen und Wizards of the Coast hofft, dass die Menschen einen Teil ihres eigenen einzigartigen Selbst in diesen Karten widerspiegeln. Die Veröffentlichung umfasst auch ein digitales Zine mit Interviews mit den Künstlern, Skizzen, Kurzgeschichten und zusätzlichen Einblicken in den Entstehungsprozess. Durch den Verkauf von Pride Across the Multiverse kamen 1,3 Millionen US-Dollar für das Trevor Project zusammen, die weltweit größte Organisation für Suizidprävention und Krisenintervention für LGBTQ-Jugendliche.

Zweiter Platz

Visuelles Branding für „Aizen“, eine Podcast-Miniserie von Kerning Cultures

Kerning Cultures Netzwerk

USA

„Aizen“ ist eine Podcast-Miniserie, die im Kerning Cultures-Podcast ausgestrahlt wurde und einem intimen Bericht aus erster Hand über einen fußballbesessenen Teenager folgt, der auf eigene Faust durch zehn Länder, vier Haftanstalten und drei Flüchtlingslager reist. „Aizen“ nimmt die Zuhörer mit auf eine beschwerliche zweijährige Odyssee durch verschneite Bergpassagen, karge Flüchtlingszentren und die verschlungenen Schmugglernetzwerke.

Das interne Marketingteam von KC Network arbeitete mit dem Produktionsteam zusammen, um eine visuelle Identität für diese Miniserie zu entwerfen, mit zwei Zielen vor Augen: Sensibilisierung der Zuhörer und Schaffung einer emotionalen Verbindung zwischen den Zuhörern und Aizens Flüchtlingserfahrung – ein Thema, für das wir mittlerweile desensibilisiert sind In den Medien.

Wir konzentrierten uns auf das, was Aizens Geschichte so besonders machte, und etablierten dies als einen Schwerpunkt, der die Zuhörer fesseln würde.

Die Identität zeigt eine Reihe von Emotionen aus Aizens Sicht: die traurigen Momente und die Erleichterung dazwischen. Die stilisierten Umrisse visualisieren verschiedene Hindernisse, denen Aizen gegenübersteht, mit jedem kurzlebigen Gefühl der Erleichterung, das er verspürt, bis er vor dem nächsten Hindernis steht.

Ein hoher visueller Kontrast wurde verwendet, um das Schleudertrauma zwischen Traurigkeit und Erleichterung zu vermitteln, sowohl aus Aizens Sicht als auch aus der Perspektive der Zuhörer, während sie seine Geschichte hören. Eine Mischung aus sattem Schwarz und Hellgelb schafft die perfekte Mischung, um alle Emotionen darzustellen, die Aizen auf seiner Reise empfand.

Der Titel verwendet Degular, eine groteske serifenlose Schrift, die mit ihren blockigen Formen und scharfen Tintenfallen Aizens Schwierigkeiten perfekt visualisiert.

Das Artwork jeder Episode folgt Aizens Reise von Afghanistan über den Iran und die Türkei, nach Bulgarien und Serbien und schließlich in die Tschechische Republik, Frankreich und das Vereinigte Königreich.

Dritter Platz

Das Besucherzentrum von Bruce Power

Bruce Power

Kanada

Bruce Power ist ein Kernenergieunternehmen in Tiverton, Ontario. Das Bruce Power-Besucherzentrum, das sich auf einem Hügel mit Blick auf die Kraftwerke befindet, empfängt jedes Jahr ein vielfältiges Publikum von über 20.000 Besuchern – hauptsächlich Familien und Kinder –, die sich über eines der größten Kernkraftwerke der Welt und seine Funktionsweise informieren möchten versorgt Ontario mit sauberer, zuverlässiger und erschwinglicher Energie. Das Creative Strategy-Team nutzte die pandemiebedingte Schließung und entwickelte einen neuen Ausstellungs-Masterplan für das Zentrum – ein erster Schritt zur Revitalisierung. Im Rahmen der Erneuerung konzentrierte sich der Entwurf auf einen Weg für neue Exponate zur Unterstützung öffentlicher Programme, die Erweiterung der Interaktivität, die Verbesserung der Zugänglichkeit und einen Schwerpunkt auf Bruce Powers innovative und lebensrettende Produktion medizinischer Isotope.

Zu den Modernisierungen des Besucherzentrums gehörten eine neue Fassade, das Entfernen von Wänden, der Austausch alter Möbel, ein neues Orientierungsvideo und – das größte überhaupt – eine neue und verbesserte Ausstellungsgalerie. Zu den Exponaten gehören ein neuer Willkommensbereich, eine Zeitleistenwand, eine CANDU-Reaktorausstellung, eine Umweltausstellung, eine Isotopenausstellung und die indigene Ausstellung zu Ehren des Standorts von Bruce Power, der sich im traditionellen Territorium der Saugeen Ojibway Nation (SON) befindet. und die Erntegebiete der Völker der Georgian Bay Métis Nation of Ontario (MNO) und der Historic Saugeen Métis (HSM).

Bruce Power hat sich mit dem Ontario Science Centre zusammengetan, um das größte Stück in der Galerie zu erschaffen – die Cobalt-60-Ausstellung. Kobalt-60 ist ein medizinisches Isotop, das weltweit zur Krebsbekämpfung und zur Behandlung komplexer Gehirnerkrankungen eingesetzt wird. Die umfangreiche Forschungsarbeit des Teams wurde in von den Mitarbeitern des Science Center geleiteten Workshops genutzt und führte zu einer Reihe von Prototypen, die dann im Science Center eingesetzt wurden, um die Benutzerfreundlichkeit und Zugänglichkeit zu testen und wichtiges Feedback darüber zu erhalten, was bei den Teilnehmern Anklang fand.

Das Ergebnis des Masterplans ist ein neues, immersives Erlebnis, das die Besucher durch die Geschichte von Bruce Power, die Entstehung der Kernenergie und ihre aufregende Zukunft führt. Besucher werden Teil des Geschehens in der Kobalt-Ausstellung, indem sie Gammawellen ausrichten, um Hirntumor zu bekämpfen, oder indem sie Kobalt-Einstellstangen mit speziellen Werkzeugen wie den Kraftstoffhandhabungsmitarbeitern am Bruce Power-Standort aufheben. Sie können einen Blick in das Innere eines Reaktormodells werfen oder – gekleidet in einen Schutzanzug – ein Selfie vor einem großen Foto des Reaktorgesichts machen. Sie können sogar dazu beitragen, das Besucherzentrum mit Strom zu versorgen, indem sie spezielle stationäre Fahrräder nutzen, die an das Stromnetz angeschlossen sind. Die Ausstellungsdesigns vermitteln mit frischen, auffälligen Grafiken eine starke Identität und sind sorgfältig zusammengestellt, um den Besuchern vielfältige Erlebnisse zu bieten.

Erster Platz

Fleischverpackung

Basisdesign

USA

Der Meatpacking District hat in den letzten 20 Jahren einen unglaublichen Wandel durchgemacht, von einem Industrieviertel zu einem der symbolträchtigsten und dynamischsten Viertel von New York City. Da diese Entwicklung noch im Gange ist, musste auch die Website, die wir 2015 erstmals für die Marke erstellt hatten, angepasst werden, um für die Millionen Besucher der Region jedes Jahr relevant und nützlich zu bleiben.

Mit der Herausforderung, uns selbst zu übertreffen, haben wir ein völlig anderes digitales Erlebnis geschaffen, das die Essenz der Nachbarschaft wirklich verkörpert. Es spricht sowohl lokale als auch internationale Besucher an, löst sich von den typischen, generischen Business Improvement District-Websites und bleibt der dualen visuellen Identität treu, die heute für diesen Teil der Stadt steht.

Die aktualisierte Website spiegelt die einzigartige, kontrastreiche Welt des Meatpacking Districts wider. Inhaltskarten dienen als Grundlage und bieten eine benutzerfreundliche und ansprechende Möglichkeit, Erzählungen zu erstellen. Diese neue Feed-Schnittstelle bietet eine Möglichkeit, zufällig verschiedene Orte und Aktivitäten zu entdecken, anstatt in einer einfachen Liste. In den Details zu jeder Veranstaltung und jedem Ort finden Sie zusätzliche Informationen darüber, was sich in der Nähe befindet, sei es ein Restaurant, eine Veranstaltung oder die Sichtung einer Berühmtheit.

Fäden zwischen Orten und Geschichten führen auch zu kuratierten Erlebnissen und Erzählungen, die sich auf Karten beziehen, wodurch effektiv Touren und thematische Führer durch die Nachbarschaft entstehen. Vor diesem Hintergrund richtet sich ein Mobile-First-UI-Ansatz an Benutzer, die unterwegs sind, und bietet ein Erlebnis, das ihnen die Nachbarschaft direkt zur Verfügung stellt – jederzeit und überall zugänglich.

Die Farbpalette der Website repräsentiert die Vielfalt und das Ortsgefühl innerhalb des pulsierenden New Yorker Viertels. Der Einsatz von Fotografie fängt ihren Geist ein, indem sie die verschiedenen Komponenten der Gemeinschaft mit Aktivitäten und Zielen präsentiert, die Mode, Design, Kultur, Kunst, technische Innovation und Essen umfassen.

Durch die Hinzufügung solch umfassender Inhalte wird die Website von einem einzigartigen Standpunkt zu einer ansprechenden Plattform, die den Benutzer auf eine viel tiefere Reise mitnimmt – weitaus besser geeignet für die heutigen Bedürfnisse von Meatpacking als noch vor acht Jahren. Die neue Website vermittelt die vielfältige Persönlichkeit des Viertels, beeinflusst und verbessert die Wahrnehmung der Besucher und steigert gleichzeitig ihr Erlebnis von allem, was es zu bieten hat.

Zweiter Platz

Neiman Marcus App-Design

Neiman Marcus

USA

Die neue Neiman Marcus-App bietet ein nahtloses Einkaufserlebnis, das Ihnen Zugriff auf personalisierte Empfehlungen bietet, darunter gestylte Looks für Sie, umfassendere Inhalte, fachkundige Ratschläge von Stilberatern, exklusive Kollektionen, neu eingetroffene Designer und vieles mehr.

Wenn Benutzer die App öffnen, finden sie eine Startseite mit ansprechenden redaktionellen Inhalten und sofortigen Einkaufsmöglichkeiten, sodass Sie direkt in das eintauchen können, was sie lieben. Um den Kunden ein personalisiertes Erlebnis zu bieten, enthält die App tägliche Empfehlungen für individuelle Artikel, die auf ihren Lieblingsstücken basieren, sowie gestylte Looks, die von Teilen aus ihrem Kleiderschrank inspiriert sind. Beim Scrollen finden Benutzer Geschichten zum Anzapfen und Entdecken, die die neuesten Kollektionen, aktuelle Trendstücke, Spotlights auf Designer und Exklusivprodukte beinhalten. Außerdem werden Ihnen Neuheiten und Bestseller angezeigt, sodass Sie gleich beim Start der App die neuesten Artikel kaufen können.

Auf der Shop-Seite können Benutzer ganz einfach auf Einkäufe nach Anlass und Ihren Lieblingsartikeln zugreifen und sehen, welche Angebote für Sie verfügbar sind. Und wenn Benutzer die App erkunden, werden sie auch eine durchgehende Chat-Option bemerken. Die Stilberater und das Kundendienstteam von Neiman Marcus stehen Ihnen beim Einkaufen zur Seite.

Die neue Neiman Marcus-App ermöglicht Kunden intelligenteres Einkaufen. Und mit diesem Update verzeichnete Neiman Marcus ein höheres Engagement, einen Anstieg der Bewertungen im App Store und eine Funktion im App Store von Apple für herausragendes App-Design.

Dritter Platz

BildNorden

David Yang

USA

Picture North ist eine Produktionsfirma mit Sitz in Chicago und einer Reihe großartiger Regisseure und Filme. Sie kamen zu Tom, Dick & Harry Creative, um ihr Capabilities-Deck in einem digitalen Format umzubenennen und neu zu starten. Sie wollten die Website dynamisch gestalten, deshalb übernahm der Designer Elemente aus dem Logo und integrierte sie auf den Seiten.

Erster Platz

Einladung zum UCSF Future of the Brain Summit

Universität von Kalifornien San Francisco

USA

UCSF ist die Nummer 1 in der Abteilung für Neurologie und Neurochirurgie. Um die Abteilung bei neuen philanthropischen Beziehungen zu unterstützen, konzipierte das Entwicklungsteam der UCSF Neurosciences einen zweitägigen Gipfel. Führende Vertreter der Neurowissenschaften, darunter Ärzte, Wissenschaftler und Forscher, hielten Vorträge über Fortschritte bei der Bekämpfung von Krankheiten, der Behandlung psychischer Erkrankungen und der Verbesserung des menschlichen Lebens. Die Veranstaltung umfasste intime Abendessen und Gespräche in einigen der bemerkenswertesten Privathäusern San Franciscos.

Das Ziel bestand darin, diese Präsentationen weniger akademisch und für den Durchschnittsbürger zugänglicher und zugänglicher zu machen. Die Veranstaltung würde UCSF auch eindeutig als weltweit führend auf dem Gebiet des Verständnisses des Gehirns positionieren. Die Zielgruppe war eine exklusive Liste von 150 bis 200 Personen aus dem ganzen Land. Die Abteilung wollte langfristige Beziehungen zu Philanthropen aufbauen, die sich einem kleinen inneren Kreis anschließen würden, der sich der Ermöglichung der weltweit führenden Hirnforschung widmet.

Elixir arbeitete mit UCSF bei der Benennung, Positionierung und Ideenfindung für alle Leistungen der Veranstaltung zusammen. Branding- und Veranstaltungsmaterialien sollten die Tiefe und bahnbrechende Natur der Arbeit in den Neurowissenschaften an der UCSF widerspiegeln. Die Berührungspunkte des „Save the Date“ und der Einladung – die in einer individuell gestalteten Box verschickt wurden – nutzten einen Sinn für Entdeckung, Schichtung und Taktilität, um das Gehirn anzusprechen und in der Post wahrgenommen und erinnert zu werden. Die Personalisierung und der hohe Produktionswert der großen skulpturalen Prägungen, Stanzungen und Folienprägungen vermittelten die Exklusivität und Qualität der Veranstaltung.

Zweiter Platz

Party des öffentlichen Kunstfonds 2022!

Ahoi Studios

USA

Design in voller Blüte: Public Art Fund präsentiert stolz sein Einladungspaket für die Frühlingsparty des Public Art Fund! Auf Einladung entwarfen die Ahoy Studios „Blüten“, die sich öffnen ließen, um neonfarbene Blütenblätter und holografische Akzente freizulegen, um den kühnen kreativen Geist des Public Art Fund zu unterstreichen.

Als Marktführer auf seinem Gebiet bringt der Public Art Fund dynamische zeitgenössische Kunst einem breiten Publikum in New York City und darüber hinaus zugänglich, indem er ehrgeizige kostenlose Ausstellungen von internationaler Reichweite und Wirkung veranstaltet, die der Öffentlichkeit eindrucksvolle Erfahrungen mit Kunst und der städtischen Umwelt bieten. Ahoy entwirft seit vielen Jahren die Materialien für die renommierte jährliche Spendengala, einschließlich der visuellen Identität, der Einladung, der Werbung und der Beschilderung vor Ort. Nach einer zweijährigen Pause nach der Pandemie wurde das Studio gebeten, das Frühlingserwachen von New York City und den transformativen Charakter des Public Art Fund zu visualisieren. Die Blumengrafik hat genau das getan. Der individuell gestaltete Umschlag war ein leuchtender Blickfang in jedem Briefkasten. Als die Empfänger den individuell geformten Umschlag auffalteten, kam die Blumengrafik zum Vorschein. Die Einladung selbst war mit einer holografischen Folie und einem leuchtend rosa vergoldeten Rand verziert. Die faszinierende Einladungsreihe begeisterte die New Yorker Kunstwelt, an der Party teilzunehmen und Spenden für die Institution zu sammeln.

Die Besucherzahl war höher als je zuvor!

Dritter Platz

Einladungen zur Einweihungswoche des Heiligtums von Stanley Rother

Geist

USA

Die Erzdiözese Oklahoma City errichtete ein Heiligtum zu Ehren des ersten in Amerika geborenen Märtyrers, des seligen Stanley Rother, der in Okarche, Oklahoma, geboren wurde. Die Erzdiözese feierte das neue Gebäude mit einer einwöchigen Einweihungsveranstaltung und forderte individuelle Symbole und Einladungen für die täglichen Aktivitäten an. Die Einladungen enthielten eine aufwendige Strukturprägung, wobei alle Texte und Symbole in Goldfolie gedruckt waren. Die Hauptveranstaltungseinladung zur Heiligtumsweihungsmesse wurde in eine rote, gestanzte Hülle eingefügt, die den architektonischen Stil der Retabel im Inneren des Schreins nachahmte. Unterstützer auf der ganzen Welt erhielten Einladungen in einem individuell gestalteten Umschlag mit Goldfolie.

Erster Platz

Logo von Montai Health

Ein Designunternehmen

USA

Montai Health ist ein von Flagship Pioneering gegründetes Biotech-Unternehmen mit der Mission, „die Kraft der Natur mit digitalen Technologien freizusetzen, um chronische Krankheiten zu behandeln und ihnen vorzubeugen“. Unser dynamisches Identitätssystem lehnt sich an die visuelle Sprache chemischer Bindungsdiagramme an und symbolisiert die unendlichen chemischen Möglichkeiten, die ihre Plattform bietet. Vintage-Cyanotypien unterstreichen Montais ausschließliche Verwendung sicherer, organischer Verbindungen.

Zweiter Platz

Youth Go Trust-Logo

WAS Studio

Großbritannien

Der Youth Go Trust, ehemals Castledine-Barnes Trust, unterstützt seit über zwei Jahrzehnten junge Spieler. In den letzten sieben Jahren haben sie mit kleinen Zuschüssen Kindern und Jugendlichen geholfen, das Go-Spiel zu erlernen, an Turnieren teilzunehmen und Preise zu gewinnen. Um ihre Ziele besser zu erreichen, beschloss die Organisation, ihren Namen im Jahr 2022 zu ändern.

Das Logo kennzeichnet den Namen des Spiels „go“ mit einer Komposition aus zwei schwarzen Steinen und einem weißen Stein. Dieses ikonische Symbol ist weithin bekannt und kann leicht auf dem Spielbrett des Spiels gefunden werden.

Dritter Platz

Fragen Sie nach einem Backup-Logo

Geist

USA

Laut einer aktuellen Studie werden Polizeibeamte im Laufe ihrer 20-jährigen Karriere zwischen acht- und neunhundert traumatische Ereignisse erleben. Diese Gruppe wird oft als Helfer oder Reparierer angesehen und kann daher schwer kommunizieren, dass sie selbst Hilfe benötigt. Infolgedessen ist die Wahrscheinlichkeit, dass Polizisten durch Selbstmord sterben, 2,5-mal höher als im Dienst. Das Oklahoma Department of Mental Health and Substance Abuse Services möchte das ändern. Es ist die treibende Kraft hinter der Ask for Backup-Kampagne.

Bei einer physischen Bedrohung zögert ein Beamter nicht, Verstärkung anzufordern. Das Ziel von Ask for Backup besteht darin, Beamte dazu zu drängen, dasselbe zu tun, wenn sie mit einer Verhaltens- oder psychischen Herausforderung konfrontiert sind. Um dies zu verwirklichen, entwickelte Ghost Videos und Begleitbeiträge, in denen Beamte mit anderen Beamten sprechen. Die Kampagne wurde intern auf Polizeistationen im ganzen Bundesstaat gestartet und umfasste den Zugang zu einer Krisen-Hotline, vertraulichen Behandlungsanbietern und speziellen Kommunikationskanälen innerhalb der staatlichen Behörde.

Erster Platz

Chicago Design im Laufe der Jahrzehnte

Sharon und Guy

USA

„Chicago Design Through the Decades“ ist eine schnelle, spannende Reise durch das letzte Jahrhundert des Chicagoer Designs. Das Projekt basiert auf der umfangreichen Sammlung des Chicago Design Archive (CDA), der ersten und dauerhaften Online-Aufzeichnung des Chicagoer Designs, die derzeit über 3200 Arbeitsbeispiele von über 1100 Chicagoer Designern enthält.

Die Reise untersucht einen menschenzentrierten Ansatz, der einnehmenden Charakteren und textlichen Leckerbissen aus archivierten Designwerken folgt, beginnend mit den malerischen, illustrativen Techniken der 1920er Jahre. Die Formen entwickelten sich dann in den 1930er bis 2010er Jahren in den Modi Fotografie, Minimalismus, Futurismus, Dreidimensionalität, Postmodernismus und mehr. Letztendlich endet die Reise mit digitalen Porträts, die mithilfe neuronaler Netze erstellt wurden, einem Ansatz des maschinellen Lernens (ML), der die Grundlage für einen Großteil der modernen künstlichen Intelligenz (KI) bildete – Technologien, die in der zeitgenössischen Kunst immer mehr an Bedeutung gewinnen.

Jedes „Designjahrzehnt“ betont die spezifischen Verständnisse und Methoden der Zeit. Die zugrunde liegende Forschung ermöglichte es zu erkennen, wie sich bestimmte Merkmale im Laufe der Zeit vor dem Hintergrund sozialer, kultureller, politischer, wirtschaftlicher und ökologischer Kontexte entwickelten. Das Projekt bietet die Möglichkeit, die Entwicklung der Chicagoer Designgeschichte als eine Reihe chronologischer Phasen zu betrachten und sie zu einer zusammenhängenden Visualisierung zu verbinden.

Die gesamte Reise ist gleichzeitig nostalgisch und skurril und voller humorvoller und ernüchternder Momente. Es nutzt führende Technologien, um die öffentliche Aufmerksamkeit auf die Komplexität, den historischen Kontext, die Kritik und die Interpretation von Archivmaterialien zu lenken. Die Bandbreite der kreativen Arbeiten von Chicagoer Designern, die in der Zeitraffer-Visualisierung gezeigt wird, veranschaulicht die ständige Weiterentwicklung des Designs, eines Bereichs, der sich ständig erweitert und es der Öffentlichkeit ermöglicht, in die Designgeschichte einzutauchen. Darüber hinaus eröffnete das Projekt neue Wege für die Zusammenarbeit zwischen Design, Wissenschaft und digitalen Geisteswissenschaften, um die Wertschätzung der Chicagoer Designgeschichte zu steigern und zur Anerkennung Chicagos als internationales Zentrum für modernes Design beizutragen.

Nach Zeiten erzwungener sozialer Isolation feiert diese öffentliche Außenprojektion das Wiederaufleben des gemeinschaftlichen Zusammenkommens und gemeinsamen Erlebens von Kunst in den Straßen von Chicago.

Zweiter Platz

Das neue Glückliche

USA

Ein von The New Happy® (@newhappyco) geteilter Beitrag

The New Happy verwandelt wissenschaftliche Forschung in einfache, nützliche und schöne Animationen, die Millionen von Menschen zu ihrem Glück und Wohlbefinden verhelfen.

Ihre Arbeit übersetzt akademische Erkenntnisse in eine neue Art von Bild- und Bewegungssprache und hilft Menschen, komplexe Ideen wie Mitgefühl, Mut, Zielstrebigkeit, Authentizität und Dienst zu verstehen und entsprechend zu handeln.

Das Problem, das sie angehen wollen: Die Unzufriedenheit ist auf der ganzen Welt auf einem Rekordhoch.

Aber es muss nicht so sein. Es gibt eine große Menge akademischer Forschung, die wichtige Erkenntnisse und Praktiken identifiziert hat, die das Wohlbefinden verbessern. Leider sind diese Informationen für den Durchschnittsbürger nicht zugänglich. Das meiste davon ist nicht nur in wissenschaftlichen Zeitschriften versteckt; Es wird nicht in umsetzbare Tools umgesetzt, die der Durchschnittsmensch nutzen kann.

Das Ziel von The New Happy bestand darin, diese Lücke zu schließen: Forschung in Kunstwerke umzuwandeln, die den Menschen helfen, sich glücklicher zu fühlen, und diese Kunstwerke dann in Animationen umzuwandeln, die eine informative, lehrreiche Pause bieten, um die Lektionen noch stärker zu integrieren.

Um dieses Ziel zu erreichen, entwickelten sie eine einzigartige visuelle Sprache, beeinflusst von der Bauhaus-Bewegung, dem Farbfeld und der abstrakten impressionistischen Malerei. Es ist geprägt von einem intuitiven Gespür dafür, wie Formen und Farben Emotionen, Transformationen und Wohlbefinden darstellen können. Darüber hinaus haben sie eine Bewegungssprache entwickelt, die dem Betrachter ein immersives und transformatives Erlebnis bietet.

Jede Animation vermittelt einen einzigartigen Einblick, eine Lektion oder ein Werkzeug, das verwendet werden kann, um das individuelle Wohlbefinden einer Person oder das Wohlbefinden der Welt um sie herum zu verändern.

Das New Happy hat fünf grundlegende Designprinzipien, die uns bei allem, was wir tun, leiten.

Das erste ist, Gutes zu tun. Ihre Philosophie des Glücks basiert auf einer Grundidee: Sie sind hier, um einander zu helfen. Jede Animation soll zu unserem kollektiven Glück beitragen.

Das zweite ist die Wissenschaft. Jede einzelne Animation, die wir teilen, basiert auf Forschung. Sie führen die gesamte Recherche durch, sodass Sie dies nicht tun müssen.

Das dritte ist Klarheit. Wir verwenden Design, um diese Forschung zu verdeutlichen und eindeutig zu machen, sodass Botschaften sowohl verständlich als auch nützlich sind, und unsere Animationen verdeutlichen die Botschaft weiter, indem wir die Kraft von Bewegung und Ton nutzen.

Der vierte Punkt ist die Einfachheit. Sie kommunizieren diese Botschaften auf einfachste Weise über Layout, Form, Farbe, Text, Bewegung, Ton und Tempo.

Das Finale ist Gemeinschaft. Ihr Ziel ist es, eine Welt aufzubauen, in der wir stärker miteinander verbunden sind. Dies beginnt mit der Integration unserer Community auf allen Plattformen und der Übermittlung von Botschaften, die die Verbindung fördern.

Diese visuelle und Bewegungssprache ermöglicht es uns, komplexe Ideen zu Themen wie Zweck, Verantwortung, Mitgefühl, Verbindung und Ehrfurcht klar zu kommunizieren. Indem sie diese Themen in Animationen umwandeln, gelingt es ihnen, sie auf eine neue Art und Weise zu beleuchten und so „Glühbirnenmomente“ zu ermöglichen, die die Art und Weise verändern, wie der Betrachter mit sich selbst und anderen umgeht.

Sie erreichen jeden Monat über 3 Millionen Menschen über ihren beliebten täglichen Newsletter, ihre sozialen Kanäle, ihren Podcast und ihre Online-Plattform. Ihre Arbeiten wurden in Publikationen wie PRINT, FastCompany, Design Milk, Grazia, Tatler, CNBC sowie in Unternehmen und Schulen auf der ganzen Welt vorgestellt.

Dritter Platz

Er ist wieder da!

Ariel Freaner

USA

Calimax‘ Charakter The Crazy Cart kehrt endlich zurück! Während der Corona-Krise hat Calimax die Vor-Ort- und Boden-Werbeaktionen mit The Crazy Cart abgesagt, und Kunden fragten immer wieder, wann er und alle seine Vor-Ort-Werbeaktionen zurückkommen würden.

Sie gestalteten den Charakter neu, verbesserten seine visuellen Merkmale, sein Design und seine Persönlichkeit und produzierten ihn in einer hochwertigeren Animation. Dazu gehörten auch Kampagnenformate, medienwirksame Online-Videos, die Calimax-Website, Internet-Banner, soziale Medien, lokales Fernsehen und E-Mail-Blasting.

Mit über 100 Geschäften ist Calimax die größte Supermarktkette, die Baja California und Südkalifornien bedient und sich hauptsächlich auf San Diego County konzentriert.

Erster Platz

Museum der Schönen Künste Boston

Basisdesign

USA

Kunst für alle: Ein Weltklasse-Museum als Ort für alle neu gestalten.

Bostons wichtigste Kunstinstitution verfügt über eine der umfangreichsten Sammlungen Amerikas, eine beneidenswerte Auswahl an Meisterwerken vergangener Jahrhunderte bis hin zu zeitgenössischen Ikonen. Aber wie bei vielen großen Museen erwiesen sich sein prächtiges neoklassizistisches Gebäude und sein prestigeträchtiger Ruf in der Vergangenheit als einschüchternd und abschreckend für potenzielle Besucher. Obwohl das Museum der Schönen Künste sein Programm weiterentwickelt hat, um vielfältigere Künstler und Gemeinschaftsinitiativen zu präsentieren, stimmte die externe Wahrnehmung bis vor Kurzem nicht mit diesem Wandel überein.

Das New Yorker Büro der internationalen Markenagentur Base Design änderte die Positionierung von MFA, um alle Bostoner daran zu erinnern, dass seine Räume und Kollektionen für alle gedacht sind, nicht nur für die Elite. Ziel war es, durch eine neue visuelle Identität und Botschaft ein Zugehörigkeitsgefühl für Besucher jeden Alters und jeder Herkunft zu vermitteln, die ein Gefühl der Wärme, des Willkommens und der Einbeziehung in die Kommunikation des Museums verspüren und gleichzeitig etwas Neues und Überraschendes sehen sollten passiert bei MFA.

Das neue MFA-Logo trägt „Boston“ stärker in den Vordergrund und verbindet buchstäblich die Buchstabenformen „A“ und „B“, um das Museum fest an seinen Standort zu binden. Der kühne, zeitgenössische, leicht skurrile Typ enthält spezielle Glyphen, die ein Gefühl der Zugehörigkeit und Verbundenheit erzeugen, indem sie von oben umarmen und von unten unterstützen.

Für die Optik wird eine selbstbewusste Primärpalette aus Weiß, Schwarz und dem traditionellen Rot der Marke durch verschiedene lebendige Farbtöne unterstützt. Das Nachrichtensystem entwickelt sich vom bisher im Museum genutzten roten Quadrat zu einem Dreieck als flexibles Element, das interaktive Inhalte aktiviert und in die Zukunft weist. Es ist Teil eines animierten Tickers, der die Vorstellung von Neuigkeiten und Spannung verstärkt und sich auch im statischen Zustand dynamisch anfühlt.

Der Slogan „Here All Belong“ wurde für die Relaunch-Kampagne als Versprechen aktiver Inklusion gewählt, das widerspiegelt, was das Museum heute ist und wofür es steht. Die Anwendung erfolgt in einem flexiblen visuellen Rahmen, unterstützt durch Porträts aus der MFA-Sammlung, die aus verschiedenen Zeiträumen und Regionen ausgewählt wurden, um eine menschliche Verbindung zum Betrachter herzustellen.

Die Ankunft der Obama-Präsidentschaftsporträts von Kehinde Wiley und Amy Sherald im MFA am 3. September 2022 bot die perfekte Gelegenheit, die neue Identität und den neuen Slogan zu enthüllen. Im Vorfeld der Ausstellung wurden überall in Boston Plakate angebracht, um ein vielfältigeres Publikum in das Museum einzuladen. Zusammen sorgen die überarbeitete Identität und die Kampagne dafür, dass MFA sich einladend und gut zugänglich fühlt und dass jeder seine erstklassige Kunstsammlung genießen kann.

Zweiter Platz

Boulevardia-Straßenbahnfolie

Whisky-Design

USA

Alle einsteigen in die Party-Straßenbahn! Kansas Citys beliebtes und exzentrisches Musik-, Essens- und Bierfestival war dieses Jahr mit dem Boulevardia Festival ein voller Erfolg. Whiskey Design verwandelte die KC-Straßenbahn in ein monströses, nicht von dieser Welt stammendes öffentliches Transportmittel, um Festivalbesuchern und Besuchern von Kansas City eine einfache An- und Abreise zum Festival zu ermöglichen.

Dritter Platz

Übernahme des Rockefeller Centers | Visionär: Die Paul G. Allen Collection

Christie's

USA

Die Paul G. Allen Collection übernahm das New Yorker Rockefeller Plaza für eine abendfüllende Ausstellung zur Unterstützung der Auktion „Visionary: The Paul G. Allen Collection“, die zur teuersten Sammlung wurde, die jemals verkauft und für wohltätige Zwecke gespendet wurde. In den zwei Wochen vor dem Verkauf wurden alle 193 Flaggen der Vereinten Nationen von Rockefeller heruntergelassen, um Platz für Bilder von Top-Losen sowie die Logos von Christie's und Visionary zu machen. Großformatige Videoprojektionen auf dem 30 Rock dienten den Besuchern der weltberühmten Eislaufbahn als atemberaubende Fotokulisse. Zusätzlich zu 30 Rock strahlten Projektionen auf den Dächern der Gebäude 610 und 620 auf die stark befahrene 5th Avenue. Sieben Leuchtkästen rund um die Plaza riefen die Besucher dazu auf, QR-Codes zu scannen, um mehr über die Sammlung auf christies.com zu erfahren. Das Rockefeller Center-Erlebnis gipfelte in unseren Galerien und lockte Menschenmassen an, die sich rund um den Block versammelten. Die Besucher der Ausstellung schlenderten durch die Schlange und konnten auf allen Schaufensterbannern und Bullnasen einen ersten Blick auf die Highlights der Sammlung werfen. Vinyl mit Künstlernamen schmückte die Vorderseite des Gebäudes, einschließlich der Drehtüren, um Besucher in die visionäre Welt von Paul Allens Sammlung bei Christie's einzuladen.

Erster Platz

Hongkong-Ballett

Design-Armee

USA

HERAUSFORDERUNG

Die COVID-Pandemie: Es ist eine Herausforderung, mit der sich in den letzten Jahren jeder konfrontiert sah, aber die Ziele des Hong Kong Ballet (HKB) blieben bestehen: das HKB als Institution von nationalem Prestige zu erhalten, neues Publikum zu erreichen und Abonnements zu generieren. Allerdings erwies sich die vergangene Saison aufgrund der Einschränkungen und des Zugangs zu Tänzern, Orten und Zeitzonen als noch schwieriger. Dies bedeutete, dass das HKB-Saisonprogramm geändert (oder abgesagt) werden konnte und ein geringeres Budget gewährt wurde, um größere Markenimages als zuvor zu erstellen. Sie mussten einen intelligenten (Remote-)Ansatz entwickeln, um die Saisonkampagne von den Vereinigten Staaten aus zu erfassen/zu erstellen und gleichzeitig eine äußerst künstlerische Umsetzung vor Ort in Hongkong aufrechtzuerhalten.

IDEE

Da sie nicht wussten, wie es mit der Pandemie weitergehen würde, beschlossen sie, dass „NEXT“ das saisonale Thema sein sollte. Design Army verfolgte einen surrealistischen Kunstansatz und entwickelte Bilder, die das Publikum an die begehrtesten Orte entführen sollten – draußen und an der frischen Luft. Die HKB-Tänzer schweben auf himmelfarbenen Hintergründen und interagieren mit der Natur, der Zukunft und Räumen, von denen wir nur träumen, sie zu betreten.

ERGEBNISSE

Trotz ständiger Öffnungen und Schließungen aufgrund von COVID war die Saison dennoch sehr erfolgreich. Die Markenvisualisierungen sorgen für Freude und Laune mit einem sofort erkennbaren Look für die HKB, und die HKB verzeichnete einen Anstieg der Abonnements und des Social-Media-Wachstums von über 15 %. Die Saisonkampagne hat das HKB weiter zu einer erstklassigen Kulturinstitution in Hongkong und zu einem der bedeutendsten Ballette der Welt gemacht.

Zweiter Platz

Enthüllt. Unglaublich.

Mythisch

USA

Charlotte Ballet ist bekannt für seine starken professionellen Tänzer und sein vielseitiges Repertoire, das vom klassischen Ballett wie dem Nussknacker bis hin zu gewagten, zeitgenössischen Werken reicht. In diesem Jahr entwickelte das Team zusammen mit dem international anerkannten künstlerischen Leiter des Charlotte Ballet, Alejandro Cerrudo, eine Kampagne zur Werbung für die kommende Saison und die Aufführungen, um die thematischen Konzepte zu choreografieren und zu fotografieren.

Enthüllen bedeutet, etwas zum ersten Mal öffentlich zur Schau zu stellen. Es ist diese Kunst der Enthüllung, die beim Publikum Neugier und Faszination weckt. Aber wie enthüllt man eine Kunstform, die mit jeder subtilen Bewegung des menschlichen Körpers eine Geschichte erzählt? Das „Enthüllte. Unglaublich." Die Kampagne fängt die Kunst der Enthüllung ein und dramatisiert sie, indem sie die Tänzer, die diese Geschichten zum Leben erwecken, in Stoff hüllt und sie enthüllen lässt, was 2022–2023 auf die Bühne kommt.

Dritter Platz

Tischplatte Vintage

USA

Tabletop Vintage ist ein umfassender Online-Antiquitätenladen, der von einem kleinen dreiköpfigen Team mit professionellem Hintergrund in den Bereichen Art Direction, Design, Texterstellung und Anthropologie betrieben wird. Sie beziehen unsere Antiquitäten von der gesamten Ostküste und nutzen das, was wir finden, um thematische „Sammlungen“ zu inspirieren. Anschließend erstellen sie aufwendige, handgefertigte Sets und recherchieren unsere Artikel gründlich. Mithilfe dieser Mittel des visuellen und schriftlichen Geschichtenerzählens sind sie in der Lage, die Beziehung der Antiquitäten zu der von ihnen entworfenen Welt und ihre Bedeutung sowohl als Teil der Geschichte als auch als einzigartiges Stück Wohndekoration zu erklären.

Im letzten Jahr haben sie die Töne und Texturen des Wilden Westens zelebriert, Kunden in einem Old Hollywood MGM-Musical in den Mittelpunkt gerückt und sie sogar in die wahre Geschichte der Entführung von Betty und Barney Hill durch Außerirdische in den 1960er Jahren eintauchen lassen. Diesen Winter stellten sie die Sammlung des Tabletop Museum of Fine Art vor, die den Betrachter im wahrsten Sinne des Wortes durch mehrere einzigartige Galerien führte, die fünf ikonische Epochen der Kunstgeschichte und die Antiquitäten, die sie repräsentieren, feiern.

Zu sagen, dass diese Kollektionen mit Liebe hergestellt wurden, wäre eine Untertreibung. Tabletop nutzt die Prinzipien des Bühnenbildaufbaus und der Fotografie, um dem Betrachter zu helfen, etwas Altes wieder als neu zu sehen. Für den Geist von Tabletop ist es am wichtigsten, eine Geschichte als mehr als nur ein Produkt zu präsentieren. Sie nutzen einzigartige und aufwendige Produktfotografien, um den Menschen die reiche Geschichte eines bestimmten Artikels näherzubringen. In Zeiten des Massenkonsums ist es äußerst wichtig, das zu würdigen, was sich im Laufe der Zeit bewährt hat.

Erster Platz

Kunstwerk-Poster

Brunet-Garcia

USA

Trotz großer Fortschritte in der Behandlung von HIV, insbesondere der antiretroviralen Therapie (ART), liegen die Behandlungsraten für die überproportional betroffenen Bevölkerungsgruppen – insbesondere die LGBTQ+-Gemeinschaft und farbige Menschen, darunter schwarze, hispanische und indianische Bevölkerungsgruppen – immer noch hinter dem nationalen Durchschnitt zurück. Das US-Gesundheitsministerium musste diese Gruppen mit der lebensrettenden Nachricht erreichen, dass ART ihnen dabei helfen kann, eine nicht nachweisbare Viruslast zu erreichen. Und nicht nachweisbar bedeutet nicht übertragbar.

„I am a work of ART“ erzählt die Geschichte echter Menschen, die mit einer HIV-Diagnose leben, und wie ihnen die Aufnahme in die Pflege es ihnen ermöglicht hat, gesund zu werden und ein Leben nach ihren Vorstellungen zu führen. Diese vielfältige Gruppe mit unterschiedlichem Hintergrund und unterschiedlicher Lebensweise ist in der Behandlung vereint. Jeder erhält derzeit eine antiretrovirale Therapie (ART), um eine nicht mehr nachweisbare Viruslast zu erreichen, ein Stadium, in dem das HIV-Virus in seinem Blutkreislauf nicht mehr nachweisbar und daher nicht übertragbar ist.

Die doppelte Bedeutung der Kampagne – KUNST als Behandlung und als Aussage über den inhärenten Wert jedes Menschen – wurde von Temi Coker zum Leben erweckt, einem Multimedia-Künstler, der für seine Arbeit mit Apple, Facebook und den Oscars bekannt ist. Temi nutzte seinen charakteristischen Stil, um eine Reihe individueller Porträts von jedem unserer Menschen zu erstellen. Durch den Einsatz von Farbe, Form und dem Zusammenspiel von Mustern stellte Temi jede ihrer Geschichten und Stile meisterhaft in ihren jeweiligen Postern dar.

Jedes Poster, das zu gleichen Teilen aus Kunst und Öffentlichkeitsarbeit bestand, enthielt einen Erfahrungsbericht über die Art und Weise, wie diese Behandlung ihnen dabei geholfen hat, die Kontrolle über ihr Leben zurückzugewinnen, und wurde von der vorgestellten Person unterzeichnet.

Diese hellen, optimistischen und kompromisslosen Poster übermitteln Menschen, die mit HIV leben, eine hoffnungsvolle Botschaft und zerschlagen die hartnäckigen Stigmatisierungen darüber, wie dieses Leben aussehen könnte.

Zweiter Platz

EL CLASSICO IST LEBEN / EL CLASSICO IST LEBEN

Mein lieber Watson

Spanien

Das Leben ist alles. Gestern, heute und immer. Das Leben ist etwas, das auf der Straße oder auf einer Bühne passiert, die die Straße repräsentiert. Das Leben ist das, was Menschen fühlen und was ein Schauspieler repräsentiert. Darüber hinaus erneuert sich das Leben jeden Tag und ist voller Trends und Avantgarde. Das Leben ist Prosa und Vers, Realität und Metaversum. Das Leben ist etwas Duales, das in EL CLÁSICO (die umgangssprachliche Bezeichnung für die National Company of Classic Theatre) passiert und genossen wird.

Und dual ist die visuelle Interpretation von EL CLÁSICO in diesem stets zweifarbigen und konzeptionellen Vorschlag. Eine Mischung aus Klassizismus und Moderne, erreicht durch die Verschmelzung historischer und zeitgenössischer Bilder und der Drucktechnik, von der alle Stücke dieser Kampagne inspiriert sind: Risographie.

Das Drucksystem, das Siebdruck und Fotokopieren vereint und den Effekt von „Handarbeit“ erzeugt, so persönlich und einzigartig wie das Leben selbst. Die Verwendung reiner, flächiger Farbtinten spielt mit Überlappungen, um neue Farbtöne zu erzielen und die Stücke zu bereichern, und erzeugt sogar bestimmte „Fehler“, die jedem Bild so viel Leben einhauchen. Eine grafische Identitätsarbeit für EL CLÁSICO, die nicht „klassisch“, aber durchaus ist das Gegenteil, und das erfindet sich als ewige Marke in ständiger Revolution neu. Denn EL CLÁSICO IST LEBEN.

Dritter Platz

11. Miroslav Krleza-Festival

Mirko Ilic Corp

USA

Miroslav Krleža (1893-1981) ist der berühmteste kroatische Schriftsteller. Letztes Jahr wurde ich gebeten, ein Plakat für das 10. Miroslav Krleža Festival in Zagreb, Kroatien, zu erstellen. Mirko Ilic erstellte das Profil von Miroslav Krleža mit seinem charakteristischen Hut. Da einer seiner berühmtesten Romane den Titel „Zastave“ (Die Flaggen) trägt, hat er sein Profil aus allen Inkarnationen kroatischer Flaggen zu seinen Lebzeiten erstellt.

Das Plakat war umstritten, aber sehr erfolgreich. Als das Festival Ili bat, ein Plakat für dieses Jahr zu entwerfen, beschloss er, das neue Plakat aus einer anderen Richtung anzugehen. Jetzt blickt Krleža in eine andere Richtung.

Erster Platz

Phantastische Tierwesen

Der 6

Italien

Albertin ist ein führender Plattendruckhersteller in Italien, der seine Dienstleistungen auf eindrucksvolle Weise auf den Druckmessen präsentieren musste, die in den letzten Jahren den Schwerpunkt auf Nachhaltigkeit legten.

Also hat The 6th einen Kartensatz mit Illustrationen unmöglicher Tiere erstellt: vielleicht die einzigen Lebewesen, die dank einer Mischung aus Merkmalen verschiedener Arten Umweltverschmutzung, Abholzung und Ressourcenausbeutung überleben können.

Der Illustrationsstil ermöglichte es Albertin, auf jeder Karte viele verschiedene Texturen und Druckstile zu zeigen.

Das Endergebnis ist nicht nur ein Werbegeschenk, sondern auch etwas, worüber die Leute nachdenken können.

Zweiter Platz

Basierend auf einer wahren Geschichte

Kreatives

Deutschland

Die jährlichen Geschenke zum Jahresende sind für Kreatives zu einem beliebten Ritual und einer Gelegenheit geworden, den Kunden und Freunden ihres Designstrategiestudios etwas Einzigartiges zu schicken. Im Jahr 2022 verzeichneten sie ein deutliches Wachstum ihres Videoproduktionsteams. Sie wollten die Erweiterung ihrer Videodienste auf eine Weise fördern, die niemand erwarten würde: durch Print.

Sie begannen damit, das Thema einer physischen VHS-Kassette – und das darin enthaltene Seherlebnis – als gedrucktes Produkt zu untersuchen. Um die Nostalgie noch weiter zu steigern, haben wir ein Unboxing-Erlebnis entwickelt, das Retro-Design, frühe Computergrafiken und die Farben von TV-Testkartenmustern kombiniert. Sie entwickelten und testeten die gesamte Stanzform im eigenen Haus und entwickelten die maßgeschneiderte Verpackung von Grund auf.

Das Team entwarf seine schlichte, komplett schwarze Verpackung, um dem Auspackerlebnis Geheimnis und Eleganz zu verleihen. Sie verwendeten Prägungen und einen Siebdrucklack, um die Außenverpackung des Notebooks zu verschönern und ähnelten durch die Textur Details einer VHS. Beide Techniken fügten der Verpackung keine Farbe hinzu und verstärkten so das Gefühl, das beim Berühren der Verpackung entsteht.

Beim Öffnen der Verpackung erhascht man sofort einen Blick auf die Farbe, die auf ein außergewöhnlicheres Erlebnis schließen lässt. Das klassische TV-Testmuster diente als Inspiration für die im gesamten Produkt verwendeten Farben. Kreatives hat das gleiche Farbmuster entlang des Seitenausschnitts des Notizbuchs angebracht, um ein nostalgisches und vertrautes Gefühl der frühen Rundfunkunterhaltung hervorzurufen.

Der farbige Seitenschnitt war bewusst der einzige Teil des Notizbuchs mit dem Farbmuster, wodurch ein dynamischer Kontrast zur eleganten schwarzen Verpackung entstand. Darüber hinaus nutzen sie das Farbmuster unterhalb des Aufreißstreifens der Verpackung, um eine definierte Verbindung zwischen Produkt und Verpackung herzustellen und beim Öffnen für einen Hauch von Farbe zu sorgen.

Der am Anfang des Notizbuchs abgedruckte Satz „Basierend auf einer wahren Geschichte“ lässt die Absicht des Notizbuchs erkennen. Details am Ende des Buches bestehen aus Filmabspannen, um die „Besetzung“ der Materialien, die in die Herstellung des Produkts eingeflossen sind, und die „Crew“, die Produktionspartner, zu würdigen.

Die Karte verleiht dem Buch eine persönliche Note und ermöglicht die Aufnahme einer handschriftlichen Notiz für den Empfänger. Ein QR-Code führt zu einer geheimen Seite auf der Website von Kreatives, auf der die Botschaft und das Video zum Jahresende präsentiert werden und so das gedruckte und das digitale Erlebnis miteinander verbunden werden.

Für dieses Projekt haben wir eine Schriftart namens „Kreatives Sharpie“ erstellt, die es uns ermöglicht, Versandetiketten stapelweise zu produzieren und die Idee eines handgeschriebenen VHS-Etiketts der alten Schule nachzuahmen. Sie verwendeten keine zusätzliche Verpackung, um so nachhaltig wie möglich zu sein, was dem Erlebnis eine unvorhersehbare Komponente hinzufügte: Jedes Paket kam ein wenig anders an, mit den Markierungen vom Versand, was ein Gefühl von Gebrauch und Zeitvertreib hervorrief.

Das für Verpackung und Notizbuchhülle verwendete Papier ist das sehr luxuriöse 400g Black Magic von Inapa, da es stabil genug für den Versand war und gleichzeitig als Notizbuchhülle diente. Für den Text im Inneren des Notizbuchs wurde Pantone-Silber verwendet, was optisch an die Schwarz-Silber-Ästhetik klassischer VHS-Player der 90er Jahre anspielt. Dieses elegante und dennoch haltbare Papier für die Verpackung und das Notizbuch sorgte beim Auspacken für mehr Zusammenhalt.

Dritter Platz

MET Experience Book

Metropolitan Fine Printers

Kanada

Die Produktion dieses Stücks war eine ziemliche Herausforderung, da es so viele Teile gab, die alle in ein Buch integriert werden mussten. Aus diesem Grund hat sich Metropolitan Fine Printers für die Chicago Screw-Bindung entschieden, da sie damit alle von uns gewünschten Komponenten erhalten und gleichzeitig die Bindung einheitlich und sauber aussehen lassen würde. Sie wollten, dass das Buch so interaktiv wie möglich ist, also mussten sie kreativ sein und neue Möglichkeiten finden, wie der Leser ohne Wiederholungen interagieren kann. Dazu gehören abnehmbare Untersetzer, eine verwendbare Postkarte, ein funktionierender Kreuzstich mit Nadel und Stickgarn, ein Teebeutelbeutel mit echtem Teebeutel, ein Luftballon und temporäre Tattoos. Der letzte Schliff ist eine Seite mit photochromer Tinte, die bei direkter Sonneneinstrahlung zusätzliche Bildbestandteile in wunderschönen Farben zum Vorschein bringt. Jedes Element war auf seine eigene Art interaktiv und spricht viele verschiedene Bevölkerungsgruppen an.

Erster Platz

Bandai Gunpla Motion Identity-Kampagne

ArtCenter College of Design

USA

Mobile Suit Gundam, die bahnbrechende Anime-Serie, die erstmals 1979 Premiere hatte, hat in der Unterhaltungswelt unauslöschliche Spuren hinterlassen. Seine Wirkung zeigt sich in der Vielzahl der darauffolgenden Spin-off-Serien und Filme sowie in der Popularität von Gunpla, dem Bau von Gundam-Plastikbausätzen. Weniger als ein Jahr nach der Premiere von Mobile Suit Gundam wurde der erste Gunpla-Bausatz veröffentlicht, der Fans der Serie die Möglichkeit gibt, ihre Lieblings-Mobile-Anzüge in Form komplizierter, hochdetaillierter Modelle zum Leben zu erwecken. In den letzten 40 Jahren hat sich das Bauen von Gunpla zu einem beliebten Hobby für Menschen jeden Alters entwickelt, da Fans auf der ganzen Welt weiterhin von den einzigartigen und komplizierten Designs der in der Serie vorgestellten mobilen Anzüge fasziniert sind.

Als große Fans der Gundam-Animationsserie und des Gunpla-Gebäudes möchte das ArtCenter College of Design diese Gelegenheit nutzen, um ein Logo/eine Markenbotschaft zu erstellen, um ihre Liebe und Leidenschaft für alles, was mit Gundam zu tun hat, zu würdigen. Sie hoffen, dass diese Hommage ihre Bewunderung für die Serie zum Ausdruck bringt und andere dazu inspiriert, die wunderbare Welt des Gunpla-Bauens zu entdecken und zu genießen.

Zweiter Platz

Es war einmal ein Biss

Schule für Bildende Künste

USA

Diese Titelsequenz ist für die chinesische Food-Dokumentarserie aus dem Jahr 2018 mit dem Titel Once Upon a Bite. Die Show untersucht die Entwicklung des (hauptsächlich chinesischen) Essens aus globaler Sicht und die Beziehung zwischen Menschen und ihrem Essen. Dieses Projekt verwendet traditionelle Illustrationen, um den Farm-to-Table-Prozess zu zeigen.

Dritter Platz

Tag 2

Kalifornisches Institut der Künste

USA

Tag 2 besteht aus einem Bewegungsstück, gefolgt von einer interaktiven Installation. In dieser Abschlussarbeit stellt ein Student seine perfektionistischen Tendenzen in Frage, indem er sich mit der chaotischen Mitte des Designprozesses befasst. Mit diesem Projekt wollen sie herausfinden, wie weit sie selbst gehen können und wie viel von ihrem Prozess sie bereit sind, mit anderen zu teilen. Sie fragen sich auch, ob sie sich erlauben, bei Bedarf Hilfe und Zusammenarbeit in Anspruch zu nehmen.

Perfektionismus kann für Designer ein zweischneidiges Schwert sein. Einerseits kann es uns dazu antreiben, unsere beste Arbeit zu leisten und nach Exzellenz zu streben. Andererseits kann es zu Selbstzweifeln, Burnout und verpassten Terminen führen. Tag 2 ist eine Ermutigung, die Unordnung des kreativen Prozesses anzunehmen.